Camera Doppia

High Dinamic Reality?

2012-01-28T10:31:00.025+01:00

Ieri sera alla sezione fotografica del C.R.D.C. di Torino ho avuto il piacere di assistere alla presentazione, organizzata da Maurizio Mangili, di Alessandro Sicco. Alessandro è un autore che da qualche anno porta avanti una serie di fotografie realizzate in edifici abbandonati che poi sottopone ad una sua personale postproduzione basata sulla tecnica dell'HDR.

Nelle sue opere ho trovato una certa varietà di soluzioni e di qualità formale, con alcune eccellenze, ma anche risultati che mi lasciano perplesso. La giovane età, e la recente intrapresa del suo cammino, mi fanno tuttavia ben sperare nella maturazione dell'autore, perché mi è parso di cogliere una rara autenticità nelle sue esigenze espressive.

Come forse era prevedibile, sia la scelta dei luoghi sia la tecnica di postproduzione hanno animato il dibattito e molti sono stati gli interventi tra la trentina di persone partecipanti alla serata. Devo subito dire che la notevole dialettica tra le diverse opinioni è stata molto interessante e utile. Questo va a tutto onore del circolo e della capacità dei soci, che avevo già riscontrato quando presentai il mio lavoro, di porsi in modo aperto verso qualsiasi discorso fotografico.

Detto questo, superando i confini della serata e del lavoro di Alessandro, penso sia necessario interrogarsi sul rapporto tra ripresa fotografica e suo trattamento successivo, anche per capire il successo attuale di tecniche come l'HDR, così come quello di altre manipolazioni che recuperano forme legate alla storia tecnologica della fotografia: effetto "Polaroid", effetto "stampa a colori dimenticata nel cassetto per vent'anni", effetto "pellicola strofinata sulla pelliccia del gatto", ecc. ecc.

In altre occasioni ho avuto modo di definire questo fenomeno "neopittorialismo" o anche "pittorialimo di ritorno". La differenza dal Pittorialismo storico sta, mi pare, nell'imitazione non più di tecniche classiche della storia dell'arte (litografie, carboncino, acquerello, ecc), ma di stili legati a periodi storici della tecnologia fotografica. In questo senso l'HDR non è assimilabile alle restanti soluzioni, perché non esiste nel passato alcuno stile o periodo fotografico simile. Tanto che ritengo probabile una connotazione epocale del tempo presente, almeno per quanto riguarda gli ambienti professionali e amatoriali, come "gli anni dell'HDR". In modo molto simile a come possiamo ricordare, per esempio, gli anni '80 del Novecento come gli anni delle diapositive sature e sottoesposte in stile "Franco Fontana".

Se devo quindi pensare ad un riferimento visivo per l'HDR più estremo, diventa necessario oltrepassare i confini della tradizione fotografica e della consueta storia dell'arte per approdare ai mondi virtuali della graphic novel, in specie di fantascienza (un autore: Enki Bilal su tutti). Anche certo cinema hollywodiano, il mondo dei video games e le illustrazioni più o meno gothic, convergono a dare il loro contributo nel formare un gusto eccessivo, sovraccarico, desideroso di luci bizzarre, persino vagamente mortifere, ma comunque sempre "ultra-naturali", quasi appartenessero ad un altro pianeta con altre regole illuminotecniche.

In tutto questo c'è il segno di una sensibilità, di una cultura, di una volontà di evasione dal dato verosimile, dalla restituzione aderente all'esperienza quotidiana vissuta come "piatta", monotona, banale, non più in grado di generare emozioni e fascinazione. Personalmente coltivo l'idea che il visibile sia invece così abbondantemente misterioso e carico di possibilità espressive da aver bisogno solo di più silenzio, più attenzione e più curiosità per ogni sua minima piega, in due parole di un "atteggiamento contemplativo" per continuare a regalarci emozioni e riflessioni. Su questo terreno, una fotografia neutra, di "grado zero", è perfettamente capace di inserirsi nell'esperienza umana e di fornire quel diverso livello cognitivo, alterato certo, ma che rimane molto molto vicino ad un vero e proprio viaggio spazio-temporale della traccia verosimile di quanto percepiamo. Il discorso qui si farebbe però davvero complesso e lungo. Ci tornerò sopra in altre occasioni.

In ultimo, una piccola nota: ho sentito il bisogno di giochicchiare un poco con qualche "alterazione altamente dinamica" dei miei appunti fotografici sulla serata. Sia chiaro, a scanso di equivoci, non intendo dileggiare proprio nessuno, ma solo, come dice Jannacci: "vedere di nascosto l'effetto che fa!".

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Sgarbissima

2012-01-23T00:13:00.007+01:00

L'ho evitata accuratamente fino a ieri pomeriggio. Snobismo, forti pregiudizi sul curatore, allergia alle ammucchiate maggioritarie spacciate per democrazia. Insomma, dopo la notizia che la prorogavano di un mese e che tanti miei concittadini l'avevano già vista, pare persino con soddisfazione, la mia innata curiosità ha finalmente prevalso su tutte le possibili riserve. Mi riferisco alla sezione torinese del Padiglione Italia della 54esima Biennale di Venezia curato da Vittorio Sgarbi.

Sfidando il freddo davvero intenso della Sala Nervi, mi sono buttato a capofitto nel mare magno delle opere realizzate dagli oltre settecento artisti selezionati. Il primo impatto è stato quello di trovarsi dentro una specie di Porta Palazzo dell'arte: tanti banchi, tante merci esposte d'ogni tipo, qualità e provenienza. Ma pazienza: al mercato ci si va anche per passare il tempo e scoprire l'inatteso.

Va detto subito: mi sono divertito. Come un bambino, come quando venivo al Torino Esposizioni a ritirare il regalo di Natale per i figli dei dipendenti FIAT. Una giostra dietro l'altra di colori, forme, luci senza altro legame tra loro che il puro accostamento abbastanza casuale o, al massimo, tipologico: qui le ceramiche, lì le fotografie, laggiù le installazioni, ecc. Su tutto il biancore elegante, inarrivabile della Sala Nervi, contenitore in grado di dare sempre il massimo risalto ad ogni tipo di esposizione.

Quindi, spostando magari la data verso primavera, per motivi puramente climatici, capisco che si pensi di ripetere l'esperienza e mi diverte che si voglia chiamarla Babele. Lo è davvero una babele. Anzi è una specie di bazar di tutto ciò che si pensa in genere possa chiamarsi "arte". Deve essere estroso, colorato (pop, tardopop, minculpop...), ben fatto (la sapienza artigianale sento dai commenti attorno a me che viene molto apprezzata), poi se sembra realizzato dal cappellaio matto di Alice allora siamo al "top". Ci credo che sia un bel Luna Park per famiglie: puoi non aver mai studiato una mazza di storia dell'arte e non sapere nemmeno che esista una cosa chiamata "arte contemporanea" senza che questo provochi alcuna irritazione cutanea da ignoranza postscolastica. Basta che piaccia questo invece di quello e la visita va via liscia, senza conseguenze.

Nella curatela di questo Padiglione Italia torinese leggo una illusione (anzi un illusionismo) populista: la vita è semplice, sai già tutto quello che ti serve, non devi pensare ad altro che passare meglio che puoi il tempo che ti rimane da vivere.

Peccato che dietro le opere ci siano persone. Persone che per fare quelle opere impegnano la loro esistenza e che avrebbero necessità di trovare riscontri diversi, ben più meditati, per progredire nel loro lavoro. Esporle a mucchi, non importa come, purché poi possano rimpinguare il loro curriculum con l'ambitissima frase: "Partecipa alla 54esima Biennale di Venezia", è un inganno narcisistico per tutti: per chi li butta in questa bolgia, per chi è contento di esserci e per chi si bea di andare a passeggiarci. Ci vedo il ritratto di un paese vanitoso che muore piuttosto di guardarsi veramente nello specchio per cercare di capire quello che è diventato. In questo senso Sgarbi compie un'altra acrobazia delle sue: maligno e benigno al contempo. Si diverte, e ci diverte, mettendoci sul palcoscenico sociologico della nostra insufficienza. Ci coccola nei difetti e così li fa emergere. Questa Biennale "democratica" verrà penso ricordata dai posteri per aver dimostrato che oggi l'arte non è davvero cosa nostra, non più.

I miei appunti fotografici su Sgarbissima (così ho ribattezzato l'evento, con evidente riferimento parodistico ad Artissima) sono QUI.

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Né il nuovo, né il vecchio

2012-01-21T13:31:00.003+01:00

"Notti torinesi" - ©Fulvio Bortolozzo, 2011.

Perché più vivo e più penso, meno mi riesce di veder la realtà tutta d'un pezzo, tutta verso il nuovo ora, tutta affondata nel vecchio in passato. Né di parteggiare. Mi guardo dall'astrarre, non mi metto il paraocchi come con i muli si fa [...]. Dico che non mi farò una fede del nuovo per uccidere il vecchio, che non esiste, né il nuovo, né il vecchio, che esiste l'enorme aggroviglio della vivente realtà, che è vivente, che è realtà e si strafotte della tua particolaristica fede futurista del nuovo e di tutte le altre particolaristiche fedi retrive del vecchio.

Giovanni Boine, Scritti inediti.
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Tra estetica ed etica

2012-01-19T21:59:00.021+01:00

Nella galleria torinese dei Weber approda uno spirito inquieto: Gabriele Croppi, classe 1974.
Alle pareti grandi stampe fotografiche al carbone su carta cotone protette, ma anche in parte nascoste, dal vetro di cornici bianche, opache, minimali. Le opere esposte appartengono a serie recenti come Piemontesi, New York e altre.

Il primo impatto con le immagini di Croppi solleva immediatamente pensieri ambivalenti. Da un lato si rimane attratti dal rigore freddo e geometrico dei suoi neri nerissimi, condotti al limite del tratto fotolitografico, interrotti da luci bianche bianchissime. Dall'altro la presenza di figure umane, spesso una sola per immagine, e insolitamente statuarie, oltre all'apparizione nei cieli di elementi incogrui (mongolfiere, singole nuvole troppo "giustine", ecc.) inducono a considerare fortemente manipolato ciò che si vede, creando così un corto circuito culturale tra l'idea tradizionale che una fotografia debba essere per forza la traccia ottica di un singolo tempo e luogo e la totale libertà visionaria di cui godono invece le immagini grafiche.

In aiuto alla comprensione di simili scelte formali soccorre la conoscenza del percorso che ha portato Croppi fin qui. Una visita al suo sito, rivela un importante passato professionale con forte orientamento al viaggio geografico e al reportage sociale. Elementi compositivi ora riuniti in un insieme coerente e autonomo ricorrono spesso all'interno di fotografie decisamente più convenzionali, sia a colori sia in bianco e nero. Fino al 2009. In quell'anno Gabriele Croppi raggiunge il culmine di una riflessione sul senso di ciò che va facendo. Alcune parole estratte dalla sua presentazione del progetto Shoa e Post-memoria, chiariscono efficacemente la questione:
"Da tanto tempo avevo (...) deciso di abbandonare ogni tematica sociale e di smettere i panni di fotografo di reportage, per dedicarmi esclusivamente alla ricerca. Una crescente insofferenza per la dichiarata vocazione realistica del medium fotografico, mi fece prendere altre strade. E certamente, a questa ragione andò a sommarsi una maturata consapevolezza d’inconciliabilità fra etica ed estetica nella rappresentazione di un fatto sociale. La ricerca del “bello” e di una soluzione formale in funzione della narrazione di un dramma, era diventata per me un compromesso inaccettabile".

In sostanza, Croppi risponde alle intollerabili ambiguità etico/espressive cui è sottoposto il fotoreportage contemporaneo scegliendo di rompere con quella estetica per recuperare l'essenza etica della sua azione fotografica.

Non so dire quanto sia convincente la soluzione fin qui proposta dall'autore, ma trovo certamente ammirevoli sia il percorso fatto sia la sincerità d'intenti che lo stanno portando verso risposte a questioni importanti, certamente molto complesse, e forse mai definitivamente risolvibili.

METAFISICHE
Fotografie di Gabriele Croppi

a cura di Chiara Buzzi

Dal 19 gennaio al 25 febbraio 2012.

Sede: Galleria Weber & Weber, Via San Tommaso 7, Torino.
Orario: dal martedì al sabato, 15:30-19:30.
Info: 011.195.00694 - http://www.galleriaweber.it - carlomaria.weber@fastwebnet.it

Ingresso libero, catalogo in mostra.

Un fiume in piena

2012-01-13T00:29:00.015+01:00

Sono molto stanco, ma prima di cadere addormentato voglio subito ringraziare le tante, tantissime persone che sono venute all'inaugurazione di Tornando altrove. Un fiume in piena che ci ha travolti a più riprese durante l'arco della serata. Una festa ricca di parole, colori ed entusiasmo. I pareri sulle opere sono stati nella maggior parte positivi, ma anche le critiche sono arrivate cortesi, puntuali e utilissime. Persino un black out di circa mezz'ora non ha causato defezioni, ma anzi è stato l'occasione per i presenti di visitare la mostra alla luce dei loro telefonini: una scena di una suggestione incredibile.

Grazie a tutti. Momenti come questi ripagano davvero di ogni sforzo.

TORNANDO ALTROVE
a cura di Fulvio Bortolozzo

Opere di
Fabrizio Amort, Roberto Ferrero, Marco Garrone, Francesco Germinara,
Barbara Malacart, Andrea Marazzi, Marco Masanotti, Elena Simonatti,
Stefano Trevisani, Marco Vergano.

Luogo: Fusion Art Gallery, piazza Peyron 9/G, 10143 Torino.
Inaugurazione: giovedì 12 gennaio 2012, ore 19 - 22.
Periodo: dal 12 al 26 gennaio 2012.
Orario: ore 16 - 19, dal martedì al giovedì o su appuntamento.
Informazioni: cell. +39 348.774.7360 (Fulvio Bortolozzo).
Email: fulvio@bortolozzo.net

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Dico trentatre

2012-01-12T15:54:00.009+01:00

Mancano tre ore all'inaugurazione.
La galleria è silenziosa. Guardo e riguardo le immagini. Tutto mi sembra a posto, tutto ben fatto. Tra poco inizieremo a sapere se davvero è così. Chi vorrà venire a vedere i frutti del nostro lavoro ci darà la prima misura, quella emozionale. L'altro giorno ho ripescato nell'archivio di Exibart le news di tutte le mostre che ho curato. Con questa sono 33 in otto anni. Una media di poco superiore alle 4 all'anno. Dalle iniziali piccole mostre del mitico Soundtown all'evento più grande che abbia fin qui affrontato: il Lens Based Art Show.
Il bilancio mi pare buono, mi sembra di essere stato utile a molti autori e di aver segnalato dei valori sinceri. Il tempo mi darà, come al solito, ragione o torto. Per ora, non mi resta che prepararmi con i miei dieci compagni di viaggio a ricevere complimenti e critiche. Sui primi brinderò subito con loro, sulle seconde, preziosissime, rifletterò poi in solitudine, per migliorare ancora, sempre, fino all'ultimo soffio di vita.

TORNANDO ALTROVE
a cura di Fulvio Bortolozzo

Opere di
Fabrizio Amort, Roberto Ferrero, Marco Garrone, Francesco Germinara,
Barbara Malacart, Andrea Marazzi, Marco Masanotti, Elena Simonatti,
Stefano Trevisani, Marco Vergano.

Luogo: Fusion Art Gallery, piazza Peyron 9/G, 10143 Torino.
Inaugurazione: giovedì 12 gennaio 2012, ore 19 - 22.
Periodo: dal 12 al 26 gennaio 2012.
Orario: ore 16 - 19, dal martedì al giovedì o su appuntamento.
Informazioni: cell. +39 348.774.7360 (Fulvio Bortolozzo).
Email: fulvio@bortolozzo.net

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La discesa di Magnum in Italia

2012-01-08T12:55:00.025+01:00

Un senso di fastidio provocato da molte cause. La prima è un incauto parallelismo, del tutto incongruo. All'inizio di questa mostra commissionata all'Agenzia Magnum c'è difatti un pannello di presentazione che evoca l'idea del classico "Viaggio in Italia". Infelice riferimento. "Viaggio in Italia" si chiamò anche l'arcinota mostra epocale voluta da Luigi Ghirri nel 1984. Con ironia, Luigi ripartiva allora da un'idealizzazione storica e culturale del nostro paesaggio per rifondarne la conoscenza alla luce delle conquiste concettuali della scuola fotografica americana degli anni Settanta. Oggi invece nelle sale di Palazzo Reale a Torino è allestita la mostra L'Italia e gli italiani, ennesima "marchetta" (così si definisce in gergo tra gli addetti ai lavori un incarico accettato solo per soldi) di quella che fu alle sue origini il prototipo della grande agenzia fotogiornalistica indipendente.

La formula che da troppo tempo sorregge questo genere di "prodotti culturali", prevede che funzionari (peggio se sono fotoamatori evoluti ed eruditi) di un qualche ente desideroso di creare un'operazione di "foto-marketing celebrativo" risolvano furbescamentre il problema innalzando il blasone di un nobile decaduto: l'agenzia Magnum, appunto. Chi oserebbe difatti mai porre in dubbio che siano stati mal spesi i soldi esborsati in nome e per conto dellla collettività di fronte alla pezza giustificativa della fattura emessa da un simile monumento che conta tra i suoi santi in paradiso nientemeno che Robert Capa e Henri Cartier-Bresson?

Ebbene, forse è giunto il momento di dire che il re è nudo: questa mostra non vale nemmeno la sua apparente gratuità (apparente perché del denaro pubblico è stato comunque speso).

Come dare una patina progettuale "seria e coerente" a qualche fotografia rimediata il più in fretta possibile (per stare nei budget...)? Facile! Si prendono 4 dati statistici e si monta una evidenza sociologica che poi il fotografo è chiamato ad "interpretare" (leggi: illustrare) con la forza del suo stile inimitabile e pluripremiato.

Così hanno fatto tutti i dieci fotografi Magnum, con la piccola parziale eccezione di Richard Kalvar: un centinaio di bianco e nero non travolgenti, ma almeno coerentemente "sul pezzo". Anche Donovan Wilye propone qualche immagine non troppo consumata della tipica commistione storico-contemporanea del paesaggio italiano: però già più che indagata nel tempo da fior di autori nazionali. Mikael Subotzky riesce invece a centrare due o tre colpi significativi tra l'Aquagym e Gardaland. Grande, grandissima delusione delle mie aspettative me l'ha poi data un autore che stimavo molto: Mark Power. Se la cava con una prevalenza di dittici e trittici davvero dimenticabili, per quanto impeccabili tecnicamente. Il presidente Magnum, Alex Majoli, raggiunge notevoli vette abissali mettendo insieme un'imbarazzante serie di ritrattini da report aziendale, con qualche dettaglio annesso. L'altro italiano, Paolo Pellegrin, cerca di evadere dalla spinosa questione con una installazione del genere "arte contemporanea", che farebbe comunque una qualche onesta figura anche se esposta davvero in contesti come Artissima. Chi resta? Bruce Gilden affronta un tema difficile e lo conduce con una certa dignità professionale, bisogna dargliene atto. Harry Gruyaert tenta di mettere insieme in polittici molte immagini banali per ricavarne un certo effetto, ma l'unione non riesce affatto a fare la forza. Infine il "cucchiaio di legno" della mostra: Christopher Anderson. Le sue dieci immagini della costa italiana non valgono nemmeno le righe per commentarle, tanto sono insignificanti.

Ok, sto scrivendo a caldo e quindi fate pure la tara a quanto avete letto. Chi non l'ha vista, vada senz'altro a vederla (avendola il contribuente già pagata...), ma resta il fatto che sarebbe stato infinitamente più serio, audace e complesso, prendere il meglio del lavoro fatto dai grandi fotografi italiani, dall'Unità ad oggi, e dargli un'unica sede espositiva. Avrebbe però richiesto competenza, discussioni, impegno, in due parole: lavoro culturale. Molto più comodo, pagare la fattura di una ex agenzia giornalistica, oggi divenuta agenzia per commissionati di prestigio, e farsi così facilmente belli mettendo il proprio nome nel colophon della mostra e del catalogo.

L'Italia e gli italiani
nell'obiettivo dei fotografi Magnum

Dal 25 novembre 2011 al 26 febbraio 2012.

Sede: Palazzo Reale di Torino.
Orario: da martedì a domenica, dalle 9:30 alle 18:30, lunedì chiuso.
Info: http://www.italiaitaliani.com - info@italiaitaliani.com

Ingresso libero, catalogo in vendita (34,00 Euro).

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Tornando altrove

2012-01-03T15:41:00.010+01:00

Una collettiva fotografica che apre il nuovo anno con i lavori di dieci autori apparentati dalla volontà di percorrere le possibilità espressive del mezzo fotografico in uno dei suoi aspetti più intriganti e specifici: lo spostamento spazio-temporale provocato dalla traccia ottica. Luoghi, figure umane e oggetti sono così spunti di partenza per recuperare la dimensione riflessiva del fotografare. Un ripensamento delle percezioni visive che vuole trovare nuove coordinate possibili per le esperienze esistenziali di ciascuno degli autori in mostra.

TORNANDO ALTROVE
a cura di Fulvio Bortolozzo

Opere di
Fabrizio Amort, Roberto Ferrero, Marco Garrone, Francesco Germinara,
Barbara Malacart, Andrea Marazzi, Marco Masanotti, Elena Simonatti,
Stefano Trevisani, Marco Vergano.

Luogo: Fusion Art Gallery, piazza Peyron 9/G, 10143 Torino.
Inaugurazione: giovedì 12 gennaio 2012, ore 19 - 22.
Periodo: dal 12 al 26 gennaio 2012.
Orario: ore 16 - 19, dal martedì al giovedì o su appuntamento.
Informazioni: cell. +39 348.774.7360 (Fulvio Bortolozzo).
Email: fulvio@bortolozzo.net

(cover photo: © Marco Garrone)

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Il mondo di Rosanna

2011-12-24T15:29:00.005+01:00

Sto iniziando a mettere on line sul mio sito anche lavori di anni passati. Tra questi, in occasione del Natale, vorrei segnalare un piccolo progetto: Il mondo di Rosanna.
Per vederlo, cliccare QUI.

Ancora auguri a tutti, a cominciare da Rosanna.

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Buone Feste

2011-12-21T18:53:00.003+01:00

Buone Feste a tutti gli amici e ai lettori di questo blog, con il ringraziamento più caloroso per la vostra attenzione che spero di poter continuare a meritare anche il prossimo anno.

Fulvio

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Morgante abita qui

2011-12-13T08:36:00.002+01:00

Un lavoro delicato e coinvolgente si trova ora sulle pareti di Phos, il centro polifunzionale diretto da Enzo Obiso nel centro storico di Chieri. Si tratta di una serie fotografica intitolata Morgante e realizzata da Nicola Lo Calzo (Torino, 1979) nell'Africa Centrale francofona.

Sono ritratti di persone affette da nanismo ambientati nei loro luoghi di vita e lavoro. L'insufficiente crescita fisica attrae da sempre l'attenzione morbosa dei "normali", provocando troppo spesso emarginazione e disagio psichico. Così pare che in alcune zone dell'Africa, essere nani sia una colpa "mostruosa" tutta da scontare in vita.

Lo Calzo interviene su questo difficile tema adottando procedure fotografiche che spostano l'attenzione verso l'umanità dei suoi soggetti. L'immobilità della posa, la prevalente centralità delle inquadrature e la concentrazione degli sguardi, sono evidenti debiti verso il grande August Sander, ma con una inversione di polarità: là servivano a dedurre dei tipi umani, qui a ritrovare la dignità esistenziale delle singole individualità.

Un solo appunto mi sentirei di fare all'artista, apparentemente formale, ma in realtà a mio avviso importante proprio per il contenuto, specie nella prospettiva della valorizzazione storica di queste opere: il colore delle stampe. Risulta scuro, contrastato e "acido", come vuole certo gusto imperante oggi, specialmente nel mondo del fotoreportage. Maggiore neutralità di resa cromatica e più ampia estensione tonale sarebbero state maggiormente coerenti con il senso di questo progetto.

In ogni caso, la prova è certamente da considerare meritevole di grande attenzione e non ci si può che augurare di vedere presto nuove immagini di Lo Calzo.

MORGANTE
Fotografie di Nicola Lo Calzo

Dal 13 dicembre 2011 al 12 febbraio 2012.

Sede: Phos, Via Garibaldi 35 bis, Chieri (TO).
Orario: lunedì, mercoledì, venerdì, 15:30-19:30; altri giorni su appuntamento.
Info: 011.760.4867 - http://www.phos-sito.eu - info@phos-sito.eu

Ingresso libero, catalogo in vendita (20,00 Euro).

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Autoritratti con miracoli

2011-12-10T11:33:00.021+01:00

Gerardo Di Fonzo (Gerry per gli amici e i clienti affezionati) ha fatto un piccolo miracolo, anzi più d'uno. Tanto per cominciare ha saputo interpretare il suo mestiere di stampatore come un'opportunità culturale e non solo come il modo per procacciarsi un reddito, cosa peraltro civile e nobilissima alla quale tutti ci dedichiamo.

Trasformare una parte del suo laboratorio nella più incredibile gallery che Torino abbia mai avuto è proprio questo: una rara e piacevole operazione culturale.

Il secondo miracolo lo compie chiamando a difesa della sua iniziativa non i soliti sponsor o istituzioni locali, ma niente meno che un vero e proprio Olimpo di divinità fotografiche: nomi che mi fanno uscire "gobbo" se li paragono ai miei stentati vaggiti. Un bagno d'umiltà insomma. Lassù, sul soffitto, qualcuno ci guarda e forse ci giudica, speriamo benevolmente.

Alle pareti quasi sessanta artisti del tempo ottico propongono un'immagine riflessa di se stessi. Impensabile la varietà delle soluzioni, tutte di grande interesse.

Qui scatta il terzo miracolo. Una collettiva che diventa una specie di autoritratto di famiglia, di quanti nella nostra città gravitano attorno ad un vero e proprio speleologo della fotografia come Gerry.

L'ultimo, ma non meno importante miracolo lo facciamo tutti noi che eravamo all'inaugurazione. Facciamo folla, festa, chiacchiera, ma per una volta, grazie al nostro ospite, mi è sembrato di stare insieme ad amici e non a colleghi o rivali. In fondo siamo umani che cercano di campare non per forza a danno di altri umani. Ieri sera c'è stato spazio per tutti e di tutto si parlava, persino non di fotografia e arte.

Grazie Gerry, se fosse finita qui sarebbe stata già una gran cosa, ma per fortuna è solo l'inizio e quindi: lunga vita alla Blitz Photogallery!

SELFPORTRAIT
Opere di artisti vari.

Dal 9 dicembre 2011 al 10 febbraio 2012.

Sede: Blitz Photogallery, La Fabbrica, via Bologna 220/25, Torino.
Orario: dal lunedì al venerdì, 9:00-12:00 16:00-19:00 (telefonare prima).
Info: 011.280.220 - www.blitzphotogallery.com - info@blitzphotogallery.com

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Opere al nero

2011-12-07T17:38:00.023+01:00

Nello spazio torinese di Franz Paludetto quattro artisti romani propongono la loro relazione con quel colore che non ne contiene nessuno ovvero tutti: il nero. Per contrapposizione, il bianco tradizionale della galleria d'arte, e della luce fredda che ne illumina le pareti, offrono l'indispensabile complemento. Il nero senza luce, bianca massimamente, non esiste quindi. In questo senso, lavorare sul nero significa lavorare sulla materia nel momento in cui viene attraversata e modellata dall'intero spettro cromatico della luce visibile. Ben lo sanno i fotografi bianconeristi che da questa dialettica degli opposti ricavano da sempre le loro opere. Anche per questo motivo, pur essendo pittorici, ho trovato assai stimolanti i lavori in mostra. Di seguito, qualche mio appunto visivo.

SU NERO NERO
Opere di Elvio Chiricozzi, Felice Levini,
Roberto Pietrosanti, Giuseppe Salvatori.

Dal 3 dicembre 2011 al 17 dicembre 2011

Sede: Franz Paludetto, via Stampatori 9 (piazzetta Viglongo), Torino.
Orario: dal martedì al sabato, ore 15-19.
Info: 011.454.6390 - www.franzpaludetto.com - torino@franzpaludetto.com

Ingresso libero

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SelfPortrait

2011-12-05T19:18:00.007+01:00

Autoritratti fotografici di:
Benedetta Antonelli d'Oulx, Maura Banfo, Per Barclay, Alice Belcredi, Alessandro Bulgini, Fulvio Bortolozzo, Giulia Caira, Laura Cantarella, Gabriella Castello, Marco Corongi, Sergio Corsaro, Fabrizio Dellavalle, Roberta Di Chiara, Claudio Cravero, Daniele D'Antonio, Marco Donatiello, Mauro Eandi, Gloria Fava, Andrea Ferrari, Dorella Gigliotti, Paolo Grinza, Mauro Guglielminotti, Enzo Isaia, Claudio Isgrò, Ilario Isola, Marco Albino La Gattuta, Dario Lanzardo, Nanni Lolli, Jacopo Maino, Giorgia Mannavola, Massimo Masone, Miguel Mitlag, Patrizia Mussa, Lidia Montenero, Riccarda Montenero, Matteo Norzi, Paolo Pellion di Persano, Brunella Pernigotti, Matteo e Luciano Petri Paisielli, Simone Perolari, Giuseppe Piredda, Luca Prestia, Marco Post Morello, Giada Pucci, Mauro Raffini, Paolo Ranzani, Alberto Raviglione, Silvia Reichenbach, Hermann Reiter, Pietro Reviglio, Sylvie Romieu, Luca Saini, Marco Saroldi, Emanuele Selva, Max Tomasinelli, Barbara Uccelli, Silvia Vaulà, Lidia Urani, Paolo Vegas, Mauro Villone, Silvio Zangarini.

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Con le dita nell'inchiostro

2011-11-26T22:37:00.026+01:00

A Torino da domani è visitabile una piccola, ma rara mostra fotografica dedicata all'opera di quel monumento della fotografia d'autore che risponde al nome di Robert Doisneau e resa possibile dalla nipote del fotografo, la giornalista Clémentine Deroudille. Tutte le stampe fotografiche esposte presentano la sua inimitabile visione del mondo infantile, in prevalenza ripreso durante le difficili ore della scuola e le spensierate avventure nel paesaggio in trasformazione di una banlieu parigina ancora regolata da tempi e comportamenti d'antan. L'unicità di Doisneau risiede nel suo gioco da grande equilibrista tra emozione e messa in scena, sempre sull'orlo di un pittoresco piccolo borghese e melenso, ma senza mai davvero cadervi. Questo forse spiega perché nonostante gli anni siano sempre più lontani, molte immagini sono della metà degli anni '50, non si possa non rimanere ancora stupiti dalla felicità del suo agire. Una Rolleiflex, tanta sensibilità e tutta la forza del non aver mai smesso di essere bambino. Un lavoro, per questo, fatto dall'interno, da un Robert con la stessa infanzia dei suoi compagni di gioco e di banco. Chi può, non se la perda; la mostra intendo.

ROBERT DOISNEAU
LES DOIGTS PLEINS D'ENCRE
Museo Regionale di Scienze Naturali

Indirizzo: via Giolitti 36, Torino.
Periodo: dal 27 novembre 2011 al 15 gennaio 2012.
Orario: tutti i giorni (salvo il martedì) dalle 10 alle 19.
Ingresso: intero 5,00 Euro, ridotto 3,00 Euro.
Ingresso cumulativo (Museo più mostra Doisneau): 7,50 Euro.
Informazioni: tel. +39 011.432.6354 Numero verde 800 329 329

In ultimo, mi devo proprio togliere un sassolino dalla scarpa. Un giovinotto che accoglieva il pubblico all'inaugurazione aveva una concezione invero deficiente del suo ruolo, cercando persino di impedirmi l'accesso alla mostra accampando il motivo che stava per chiudere. Cosa rivelatasi non vera (c'era tutto il tempo e modo di vederla bene senza problemi) e superata solo dalla cortesia e professionalità degli addetti alla biglietteria del Museo, cui va il mio più sentito pubblico ringraziamento.

Il progetto è un fatto personale

2011-11-24T10:49:00.006+01:00

Sul sito del Festival della fotografia etica è appena stata pubblicata una video-intervista ad Eugene Richards, realizzata in occasione della sua mostra a Lodi intitolata "War is personal". Nelle sue parole emerge l'approccio esistenziale alla progettualità fotografica. Al di là del tema drammatico di questo progetto, gli effetti sconvolgenti sulle famiglie e sui soldati coinvolti nelle recenti guerre americane, Richards propone l'azione del fotografare come una necessità prima di tutto interiore. Un modo per portare fuori quello che ci agita la mente e renderlo finalmente oggettuale, esterno, concretamente visibile. Proprio in questo atteggiamento, risiede a mio parere la migliore tradizione della fotografia. Non la volontà razionale di comunicare a qualcuno ciò che si sente, ma invece quella di dare un corpo, una traccia fisica al turbinare della mente. Corpo e traccia che potranno poi essere percepiti da noi in primis, ma anche da altri e quindi, per il principio fondamentale che "non si può non comunicare", divenire occasione d'incontro per altri umani e per le loro percezioni.

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This Must Be the Place, maybe...

2011-11-20T22:35:00.010+01:00

L'ultima fatica di Paolo Sorrentino non mi ha convinto del tutto, anche se sono contento di averla vista. Considerando che non è davvero facile per un regista italiano scrivere e girare un film internazionale senza cadere nel nostro provincialismo, mi pare che il risultato possa essere considerato accettabile, nonostante le note negative siano diverse. A cominciare da alcuni richiami troppo telefonati all'Antonioni anglofilo di Blow Up e in qualche spleen di troppo dal Paris Texas di Wim Wenders (piacevole però il cameo di Harry Dean Stanton). Tra momenti ironici e pericolosi avvitamenti storici nella Shoah, il film scorre comunque senza perdere il filo, con diversi momenti di buon cinema (il concerto di David Byrne per esempio), anche se con alcune dannose ripetizioni emotive. Il finale abbassa di parecchio la qualità e la tensione narrativa che il film aveva saputo creare, specialmente in tutta la prima parte inglese. L'America di Sorrentino poi, in specie il West, è molto manierata, con echi diversi e riconoscibili, a cominciare dai "momenti indecisivi" di un Robert Frank, per esempio. In ogni caso, Sorrentino riesce nel suo intento di raccontare con sensibilità un viaggio interiore concretamente esistenziale, quello del catatonico Cheyenne, interpretato da un certo professionale, ma un po' monocorde e non sempre convincente, Sean Penn. Infine una nota tecnica: quando la dolly si fa vedere (perché ti fa girare la testa...) allora è proprio meglio lasciarla perdere del tutto.
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Artissima 18

2011-11-07T00:30:00.000+01:00

L'ho visitata e mi è piaciuta. Molto. Spazio, luce, tranquillità ottenuti anche grazie alla ariosa struttura dell'Oval. Poi, fatto essenziale, un filo conduttore sottile, ma ben evidente: il ritorno dell'Arte Concettuale, con tutta l'importanza che questa scelta può avere per il fotografico. Non solo come recupero storico, ma anche come proposta contemporanea in questi tempi così difficili da decifrare. Artissima merita quindi oggi più che mai il nome superlativo, con il suo collocarsi in equilibrio dinamico tra mercato e linea curatoriale. Una fiera che non vuole essere solo una fiera. Davvero un buon modo di mettere d'accordo il lato commerciale con quello culturale. Un convinto applauso il mio, che va di pari passo con gli appunti visivi, in questo caso davvero colti come fior da fiore, in un così stimolante giardino. Eccoli QUI.

Per chi poi desiderasse fare paragoni: gli appunti delle edizioni 16, 15 e 14.

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The Others 2011

2011-11-05T23:40:00.005+01:00

Ci sono stato stasera a The Others, nonostante il diluvio che incombe su Torino. Con me, molte altre persone si aggiravano tra una cella e l'altra delle ex Carceri Le Nuove. Devo dire che l'effetto claustrofobico dell'insieme non favorisce certo la "fruizione delle opere". I pezzi di valore sono a mio parere sommersi dall'eccesso di roba accatastata (dai lavandini agli imballi, alle opere buttate per terra...). Lo stesso sciamare del pubblico mi pareva più un rito mondano (ma come? Non sei andato alle Nuove?) che una reale attenzione all'arte contemporanea. Sarà la pioggia, sarà l'umore, ma auspico fortemente un ritorno al classico: spazi neutri e pensati per ospitare opere davvero selezionate e che consentano di poterle avvicinare senza fretta e disturbi vari. Detto tutto questo, per tre euro è proprio impossibile trovare di meglio per passare una serata "colta"... Come al solito, ho preso i miei appunti visivi.
Eccoli QUI.
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Istantanee da un disallestimento

2011-10-30T20:55:00.027+01:00

Quando a smontare una sezione della Biennale di Alessandria ("Passages" a cura di Fabrizio Boggiano) si ritrova un gruppo di persone che stanno bene insieme, e sono dotate di tanta autoironia, allora anche le cose più noiose e faticose, come caricare gli imballi, diventano l'occasione per passare bei momenti in allegria. Grazie amici e alla prossima!

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Lo sguardo cristallino

2011-10-12T09:11:00.005+02:00

Pubblico qui di seguito il testo che il poeta Agostino Cornali ha dedicato al mio lavoro. Inutile dire quanto mi onori questa sua attenzione, così sensibile e precisa, di cui lo ringrazio calorosamente.

"La visione si frantuma, ed è da un angolo periferico, potenziale teatro di eventi altrettanto, (...) se non più angoscianti, che si ricompone il caleidoscopio. (...) Le cristalline lenti attraverso cui (il lettore) è destinato a vedere il mondo della poesia callimachea lo sposteranno sempre, inevitabilmente, verso una prospettiva periferica, lucida, ma insieme deformante, straniante". Con queste parole G. B. D'Alessio descrive la poetica di Callimaco (305-204 a. C.) nella sua introduzione all'edizione delle opere del poeta greco da lui curata.

"Carver è uno scrittore di straordinaria onestà e compassione, il suo sguardo è così cristallino da spezzare il cuore". Queste invece sono parole tratte da una recensione del Washington Post e riportate sulla quarta di copertina dell'edizione italiana di "Cattedrale", la più famosa raccolta di racconti di Raymond Carver (1938-1988).

Quando lessi per la prima volta questi due giudizi fui ovviamente molto colpito dal fatto che due scrittori appartenenti a culture ed ambienti geografici così diversi e, soprattutto, separati da ventidue secoli di storia, sembrassero avere tanto in comune. Nonostante le macroscopiche differenze, infatti, pare che entrambi condividano una sorta di "sguardo lucido", anzi, "cristallino" (è questo l'aggettivo presente in entrambi gli interventi), sulla realtà.

Questi due autori mi sono venuti subito in mente quando ho incontrato le fotografie di Fulvio Bortolozzo. Mi riferisco soprattutto al ciclo SCENE DI PASSAGGIO (SOAP OPERA), all'interno del quale ho scelto la fotografia che campeggia sulla copertina del mio libretto di poesie.

Questa serie di fotografie ritrae paesaggi e ambienti che a uno sguardo superficiale potrebbero risultare indifferenti, se non addirittura sgradevoli, in quanto non corrispondenti alle categorie tradizionali del "bello". Troviamo infatti parcheggi, cantieri, pochissime presenze umane e per lo più sfuocate, scorci urbani di periferia, edifici fatiscenti, interni di camere d'albergo, porti, spiagge abbandonate, ecc... insomma, la fanno da padrone quelli che Marc Augé, per primo, definì "non-luoghi".

Lo sguardo di Bortolozzo è cristallino e lucido come quello dei due autori sopra citati perché non si lascia distrarre dai condizionamenti del senso comune, che impongono determinati principi estetici che vanno a costruire un gusto omologato. D'altra parte, la sua non è neppure la battaglia pregiudiziale di chi condanna tutto ciò che è artificiale, moderno, "falso", in nome di una bellezza naturale e autentica perduta chissà quando e chissà dove. Il suo sguardo è cristallino e lucido perché si insinua in quelle fessure del reale che altri nemmeno noterebbero, e lì trova occasioni di interesse, di senso, quindi di bellezza. Ritrae soggetti a noi familiari, ma lo fa, come Callimaco, da una prospettiva diversa, inedita, spesso addirittura angosciante. E questa sua attenzione agli aspetti della realtà che lo sguardo dell'uomo comune trascura cos'è, se non una forma di pietas, molto simile alla compassione inquieta che proviamo per tanti personaggi di Carver? Restituire senso a tutto, questa sembra essere la sfida di Bortolozzo. E sicuramente la sua sfida parte dalla convinzione che il senso sia già nelle cose, che non ci sia bisogno di grossolani strumenti tecnici per estrapolarlo. Si sa, però, che l'arte più raffinata è proprio quella che nasconde, fino quasi a farli scomparire, i propri mezzi. Ed infatti il fotografo stesso afferma: "Le fotografie (...) non sono preparate o pianificate, ma "accadono" nel corso dei miei spostamenti". Come ogni artista che si rispetti, anche Bortolozzo riesce a trasformare, un'esperienza autobiografica e personale in qualcosa di universale, tessendo un dialogo emozionale con lo spettatore: se quest'ultimo infatti rimarrebbe indifferente di fronte a quegli scorci e a quei paesaggi, quando essi sono ritratti nelle sue fotografie prova invece un insieme di emozioni diverse e talvolta contrastanti: ripulsa, inquietudine, ma anche commozione, e soprattutto nostalgia. Nostalgia per un'esperienza che non gli appartiene: forse qui sta la chiave della grandezza di queste fotografie, che confermano una mia personale idea della letteratura, e dell'arte in genere: più "lo schermo" dell'espressione è freddo, raffinato (da intendersi come participio passato, cioè il risultato di un raffinamento continuo), "apollineo", più il fuoco che dietro quello schermo si cela è drammatico, commovente, "dionisiaco".

È in questo contrasto che prende vita la grande arte, e le fotografie di un artista esperto e sensibile come Fulvio Bortolozzo ne sono un bellissimo esempio.

Ieri sera, in riva al Po

2011-10-01T09:00:00.012+02:00

Dalla serie "Appunti per gli occhi".
In questo salone, qui ormai deserto e riordinato, si è svolta ieri sera la presentazione di due mie serie fotografiche: Olimpia e Un habitat italiano. Abbiamo esposto una trentina di stampe originali e proiettato le serie complete. L'iniziativa del mio invito è stata di Maurizio Mangili, Presidente della Sez. Fotografica del Circolo Ricreativo Dipendenti Comunali (C.R.D.C.) di Torino. La serata era inserita nel calendario della XXVII edizione di Ottobre Fotografia. All'evento hanno partecipato, tra gli altri, Claudio Pastrone, neoeletto Presidente della F.I.A.F. e Fulvio Merlak, il presidente precedente e Presidente del mio circolo di appartenenza, il Fincantieri Wärtsilä di Trieste. Fin qui le note "ufficiali".

La cosa che porterò con me nel ricordo è l'attenzione ricevuta dai presenti. Sono consapevole di presentare lavori che non rientrano nei canoni tradizionali dell'ambiente F.I.A.F. Nonostante questo, l'atteggiamento prevalente oscillava dal rispettoso assistere alla partecipazione curiosa. Nessuna ostilità preconcetta si è levata. Trovo questo un segno assolutamente incoraggiante, dovuto certamente al gran lavoro fatto in federazione per aprire i circoli al rapporto con le pratiche del mondo fotografico esterno.

La prova più ardua è stata in finale la presentazione, per la prima volta in assoluto, della serie aperta Appunti per gli occhi. L'idea di inserirla nel programma della serata è stata del Presidente Mangili, attratto dalle implicazioni esistenziali del progetto. La principale difficoltà di questa serie risiede nella sua natura "fluviale". Il corpo delle immagini è davvero notevolissimo e in costante inarrestabile crescita. Pur presentando solo la ristretta selezione presente sul sito, ho proiettato quasi trecento fotografie per circa mezz'ora di silenzioso succedersi sullo schermo della loro pura cronologica sequenza dal 21 gennaio 2009 al 18 settembre 2011. Si è trattato, in sè, di una performance e di una sfida davvero quasi insostenibili. Una provocazione, anche, se si vuole, all'ennesimo canone tradizionale: quello della presentazione su schermo. A rafforzare la "sofferenza" la totale assenza di sonoro, salvo qualche rara mia parola di precisazione. In pratica, una situazione da teatrale "lancio di pomodori". Ebbene, nonostante tutto, l'attenzione del pubblico non è mai degenerata: molti forse hanno sofferto in silenzio, ma tutti hanno voluto arrivare fino in fondo. Persino un applauso finale è giunto a sostenermi.

Non è stato un gioco e nemmeno uno sberleffo gratuito ai miei gentilissimi ospiti. Si è trattato di un passo in avanti, importantissimo per me, nella rischiosa ricerca di altri modelli di produzione e comunicazione del lavoro fotografico. Una terra incognita, che parte dalla procedura d'impiego della fotocamera fino alle definizione dei confini di presentazione di un lavoro. Cose queste ben intuite dai due presidenti F.I.A.F. presenti. Pastrone ha colto il senso profondo di questa sfida, che parte dall'inconscio tecnologico di vaccariana (e flusseriana) memoria, mentre Merlak ha ben espresso il girare attorno al tempo, in ogni sua accezione, del mio lavoro.

Ne esco confortato. Capisco che la strada è ancora lunga e irta di trabocchetti, ma è presa. Mi spingo in avanti e man mano mi volterò a guardarne il tracciato. Grazie, grazie di cuore a tutti i presenti di ieri sera, in riva al Po.

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Libri liberati

2011-09-27T21:30:00.000+02:00

Alla NOPX|limitededitionpics apertura di stagione dedicata ai libri come oggetti dell'arte: libri da toccare, guardare e certamente liberati dalla loro consueta funzionalità editoriale. In mostra i selezionati, e il vincitore, tra i partecipanti al concorso internazionale sul libro d'artista Nopx|artbook 2010_2011. A completamento, c'è anche una deliziosa mini-personale sul libro di artista di Elisa Abela. Ecco di seguito alcuni "appunti" su ciò che ho trovato davanti ai miei occhi la sera dell'inaugurazione.

Nopx|artbook 2010_2011 & Elisa Abela.
Opere di: Eva-Maria Offermann, vincitrice del concorso, Aleksandra Zurczak, Alessio Tibaldi, Carla Bertone, Concetta Modica, Dennis Yuen, Dora Tass, Elisa Abela, Federica Mason, Isabella Mara, Kozely Rada, Lemeh42, Marco Travali, Paolo Loschi e Ryts Monet.

Fino al 16 ottobre 2011

NOPX Limitededitionpics
Via Saluzzo, 30 - 10125 Torino
Visite: su appuntamento.
Info: info@nopx.it, cell. 3287055257 (Antonio La Grotta), cell. 3339017334 (Chiara Vittone).

All photos: © Fulvio Bortolozzo.

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Per questo qualcosa

2011-09-21T11:09:00.005+02:00

Dalla serie Scene di passaggio (Soap Opera).

Sempre ci ferisce l'inaudita scoperta che qualcuno ha veduto, non mica più lontano di noi, ma diverso da noi. Siamo fatti di trista abitudine. Amiamo stupirci, come i bambini, ma non troppo. Quando lo stupore c'imponga di uscire veramente di noi stessi, di perdere l'equilibrio per ritrovarne forse un altro più arrischiato, allora arricciamo la bocca, pestiamo i piedi, davvero ritorniamo bambini. Ma di questi ci manca la verginità, ch'è innocenza. Noialtri abbiamo delle idee, abbiamo gusti, abbiamo appunto già letto dei libri: possediamo qualcosa, e come tutti i possidenti tremiamo per questo qualcosa.

Cesare Pavese, Leggere.
(estratto da un articolo pubblicato su "L'Unità" di Torino, 20 giugno 1945)

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E lo conteneva

2011-09-19T01:05:00.006+02:00

Dalla serie "Appunti per gli occhi".

Se si risale un qualunque momento di commozione estatica davanti a qualcosa del mondo, si trova che ci commoviamo perché ci siamo già commossi; e ci siamo già commossi perché un giorno qualcosa ci apparve trasfigurato, staccato dal resto, per una parola, una favola, una fantasia che vi si riferiva e lo conteneva.

Cesare Pavese, Feria d'agosto.

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Una bella serata di fine estate

2011-09-16T09:23:00.005+02:00

Dolce, ricca di incontri, un momento raro, di quelli da ricordare a lungo. Questa è stata per me l'inaugurazione di CONFINI 09 a Torino. Ho visto molte cose. Ho visto alcuni amici che non incontravo da tempo. Ho visto persone che incontravo per la prima volta. Ho visto attenzione e voglia di scambiare pensieri, idee, emozioni. Ho visto che il lavoro fatto è stato buono. Ho visto infine che la forza emotiva della serata è stato molto più intensa di quanto potessi pensare. Così intensa che oggi, con mio stupore, mi accorgo di non aver scattato nessuna fotografia che potesse presentare il pur consistente afflusso del pubblico. Rapito da ciò che vedevo e vivevo ho dimenticato di fermare, fissare, trasporre in immagine. Per me è davvero un fatto speciale che mi conferma il motivo per cui fotografo paesaggi e cose. Ho bisogno di tempo per superare l'impatto della vita sui miei sensi. Quando la vita scorre così piacevole e veloce, il tempo mi manca e metto da parte l'arte del tempo, quella che amo più di tutte: la fotografia. Sarà per un'altra volta. Oggi, mi godo quei momenti nella mente. Li ripasso uno ad uno e ringrazio le persone, a me vicine o sconosciute, che mi hanno "travolto" ieri sera. Grazie di cuore, a tutti.

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Siamo pronti!

2011-09-15T09:21:00.009+02:00

Le opere sono alle pareti, anche se nella fotografia qui sopra non appare. Un velo di mistero avvolge ancora la prima esposizione di CONFINI 09. Toccherà ora a quelli che parteciperanno all'inaugurazione il compito di alzarlo per primi. Vi aspetto quindi tutti stasera alla Fusion Art Gallery.

Mostra: CONFINI 09.
Artisti: Anna Fabroni, Bruno Taddei, Franco Borrelli, Alessandro Pagni, Sandro Rafanelli.
Direttore Artistico: Maurizio Chelucci (Roma).
Curatori: Clelia Belgrado (Genova), Fulvio Bortolozzo (Torino), Leonardo Brogioni (Milano), Ivan Margheri e Francesco Tei (Firenze), Fulvio Merlak (Trieste).
Luogo: Fusion Art Gallery, piazza Peyron 9/G, 10143 Torino.
Inaugurazione: giovedì 15 settembre, ore 18:30 - 21:30.
Periodo: dal 15 al 30 settembre 2011.
Orario: dalle ore 16:30 alle ore 19:30, dal martedì al giovedì o su appuntamento; ingresso libero.
Informazioni: cell. +39 348.774.7360 (Fulvio Bortolozzo).
Web: www.confini.eu
Email: fulvio@bortolozzo.net - confinifotografiacontemporanea@gmail.com

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Continua ad esistere

2011-09-14T08:00:00.001+02:00

Dalla serie "Appunti per gli occhi".

Io invece credevo — e credo ancora — in una differente intenzionalità (...): consiste nel guardare alla fotografia come ad un modo per relazionarsi col mondo, nel quale il segno di chi fa fotografia, quindi la sua storia personale, il suo rapporto con l'esistente, è sì molto forte, ma deve orientarsi, attraverso un lavoro sottile, quasi alchemico, all'individuazione di un punto di equilibrio tra la nostra interiorità — il mio interno di fotografo-persona — e ciò che sta all'esterno, che vive al di fuori di noi, che continua ad esistere anche quando avremo finito di fare fotografia.

Luigi Ghirri, Lezioni di fotografia.

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CONFINI 09 prende forma...

2011-09-13T08:00:00.007+02:00

Il montaggio è iniziato. Le opere vengono tolte dagli imballi e le posizioni a parete iniziano ad essere destinate per questa prima mostra di CONFINI 09. Un lavoro delicato, da svolgere con cura, per dare ai cinque artisti la migliore valorizzazione possibile negli accoglienti spazi della Fusion Art Gallery di Torino. Qui di seguito qualche appunto visivo, con la partecipazione straordinaria dell'artista di casa: Franco Borrelli.

Mostra: CONFINI 09.
Artisti: Anna Fabroni, Bruno Taddei, Franco Borrelli, Alessandro Pagni, Sandro Rafanelli.
Direttore Artistico: Maurizio Chelucci (Roma).
Curatori: Clelia Belgrado (Genova), Fulvio Bortolozzo (Torino), Leonardo Brogioni (Milano), Ivan Margheri e Francesco Tei (Firenze), Fulvio Merlak (Trieste).
Luogo: Fusion Art Gallery, piazza Peyron 9/G, 10143 Torino.
Inaugurazione: giovedì 15 settembre, ore 18:30 - 21:30.
Periodo: dal 15 al 30 settembre 2011.
Orario: dalle ore 16:30 alle ore 19:30, dal martedì al giovedì o su appuntamento; ingresso libero.
Informazioni: cell. +39 348.774.7360 (Fulvio Bortolozzo).
Web: www.confini.eu
Email: confinifotografiacontemporanea@gmail.com

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Quella della rivolta

2011-09-08T11:26:00.002+02:00

Dalla serie "Appunti per gli occhi".

La bellezza, senza dubbio, non fa le rivoluzioni. Ma viene il giorno in cui le rivoluzioni hanno bisogno di lei. La sua norma, che nell'atto stesso di contestare il reale gli conferisce unità, è anche quella della rivolta.

Albert Camus, L'uomo in rivolta.
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CONFINI 09 inaugura a Torino

2011-09-07T11:19:00.010+02:00

CONFINI 09 A TORINO
DAL 15 AL 30 SETTEMBRE 2011
La rassegna fotografica italiana che ha per filo conduttore la fotografia al confine, in termini di linguaggio o di tecnica importati da altri media, inizia quest’anno da Torino il proprio ciclo espositivo. La nona edizione di questa rassegna annuale, ideata e organizzata da PhotoGallery di Firenze e MassenzioArte di Roma, presenta cinque artisti che intervengono sul supporto fotografico con interessanti tecniche personali.

Anna Fabroni, Spessori Silenziosi.
Bruno Taddei, Graffi dell'anima.
Franco Borrelli, From Inside.
Alessandro Pagni, Sussidiario Egoista.
Sandro Rafanelli, Phantasmagoria.

Confini è ormai il principale appuntamento annuale in Italia per presentare chi propone un modo alternativo di immaginare la fotografia, forte di un proprio linguaggio e di una personale visione della realtà. Gli artisti in mostra sono stati selezionati fra i circa 170 candidati che hanno risposto allo specifico bando di concorso pubblicato sul sito web www.photographers.it, partner culturale della manifestazione, e i dodici proposti dai curatori che partecipano a Confini.

Date e luoghi

Torino, Fusion Art Gallery, 15 – 30 settembre 2011.
Firenze, PhotoGallery, 10 – 22 ottobre 2011.
Roma, MassenzioArte, 10 -20 novembre 2011.
Milano, Polifemo Fotografia, 16 gennaio – 3 febbraio 2012.
Genova, VisionQuest, 23 febbraio – 8 marzo 2012.
Trieste, Sala Fenice, 18 aprile - 11 maggio 2012.

In breve per Torino

Mostra: CONFINI 09.
Artisti: Anna Fabroni, Bruno Taddei, Franco Borrelli, Alessandro Pagni, Sandro Rafanelli.
Direttore Artistico: Maurizio Chelucci (Roma).
Curatori: Clelia Belgrado (Genova), Fulvio Bortolozzo (Torino), Leonardo Brogioni (Milano), Ivan Margheri e Francesco Tei (Firenze), Fulvio Merlak (Trieste).
Luogo: Fusion Art Gallery, piazza Peyron 9/G, 10143 Torino.
Inaugurazione: giovedì 15 settembre, ore 18:30 - 21:30.
Periodo: dal 15 al 30 settembre 2011.
Orario: dalle ore 16:30 alle ore 19:30, dal martedì al giovedì o su appuntamento; ingresso libero.
Informazioni: cell. +39 348.774.7360 (Fulvio Bortolozzo).
Web: www.confini.eu
Email: confinifotografiacontemporanea@gmail.com

CONFINI 09: da Torino a Trieste!

2011-08-31T10:22:00.014+02:00

© opera fotografica: Franco Borrelli, dalla serie From Inside.

La rassegna fotografica italiana che ha per filo conduttore la fotografia al confine in termini di linguaggio o di tecnica importati da altri media, inizia quest’anno a Torino il proprio ciclo espositivo, per concludersi, dopo 8 mesi, a Trieste. Un viaggio che, passando per Firenze, Roma, Milano e Genova, inizia e finisce in città quanto mai simboliche dell'Unità nazionale, in questo anno di celebrazioni del Centocinquantenario.

La nona edizione di questa rassegna annuale, ideata e organizzata da PhotoGallery di Firenze e MassenzioArte di Roma, presenta cinque autori che intervengono sul supporto fotografico con interessanti tecniche personali.

Anna Fabroni, Spessori Silenziosi.

Bruno Taddei, Graffi dell'anima.

Franco Borrelli, From Inside.

Alessandro Pagni, Sussidiario Egoista.

Sandro Rafanelli, Phantasmagoria.

Confini è ormai il principale appuntamento annuale in Italia per presentare chi propone un modo alternativo di immaginare la fotografia, forte di un proprio linguaggio e di una personale visione della realtà.

Gli artisti in mostra sono stati selezionati fra circa 170 candidati che hanno risposto allo specifico bando di concorso pubblicato sul sito web www.photographers.it, partner culturale della manifestazione, e dodici proposti dai curatori che partecipano a Confini.

Le immagini di Confini vengono esposte sul sito web www.photogallery.it in contemporanea alla prima inaugurazione di Torino.

Date e luoghi

Torino, Fusion Art Gallery, 15 – 30 settembre 2011.

Firenze, PhotoGallery, 10 – 22 ottobre 2011.

Roma, MassenzioArte, 10 -20 novembre 2011.

Milano, Polifemo Fotografia, 16 gennaio – 3 febbraio 2012.

Genova, VisionQuest, 23 febbraio – 8 marzo 2012.

Trieste, Sala Fenice, 18 aprile - 11 maggio 2012.

Ulteriori info sul sito: www.confini.eu

In breve

Mostra: CONFINI 09, Rassegna italiana di fotografia contemporanea.

Sedi: Torino, Firenze, Roma, Milano, Genova, Trieste.

Autori: Anna Fabroni, Bruno Taddei, Franco Borrelli, Alessandro Pagni, Sandro Rafanelli.

Direttore Artistico: Maurizio Chelucci.

Curatori: Clelia Belgrado (Genova), Fulvio Bortolozzo (Torino), Leo Brogioni (Milano), Maurizio Chelucci (Roma), Ivan Margheri e Francesco Tei (Firenze), Fulvio Merlak (Trieste).

Sito: www.confini.eu

Email: confinifotografiacontemporanea@gmail.com

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Parla a chi lo guarda

2011-08-30T08:06:00.006+02:00

Dalla serie "Appunti per gli occhi".

Credo che per interesse personale si guardi a noi stessi e a quello che abbiamo intorno. Questa è anche la ragione che mi spinge a fare fotografie. La macchina non è una mera superficie riflettente e la fotografia non è esattamente uno specchio appeso al muro che parla con una lingua confusa. Ci sono le prove, e le perplessità si risolvono nel momento fotografico più semplice e completo. Il dito della mente preme il pulsante sulla macchina incosciente e ferma il tempo trattenendo ciò che il suo diaframma riesce a circoscrivere e la luce ad annerire. In quel momento il paesaggio parla a chi lo guarda.

Lee Friedlander, Self Portrait, 1998.
(trad. di Pier Francesco Frillici, in "Sulle strade del reportage", Ed. Quinlan)

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Le domande di Steve

2011-08-25T11:15:00.003+02:00

Ripubblico oggi qui in italiano l'intervista concessa a Steve Bisson e apparsa in inglese sul suo eccellente blog URBANAUTICA il 20 aprile 2011.

PHOTOTALKS: "FULVIO BORTOLOZZO"

1) In Passi carrai lo sguardo cade su territori simbolicamente precisi, interstizi e ritagli di spazi urbani che nel tuo obiettivo acquisiscono una poetica ben definita. è come ritrovarsi in un luogo di tutti e di nessuno insieme...

Sì, l'idea di Passi carrai mi si affacciò come possibile serie pensando alle inquadrature naturali di Luigi Ghirri. Sono difatti strutture urbane che creano vere e proprie scene in prospettiva centrale il più del tempo vuote, tranne che per i brevi passaggi delle automobili, e dei loro guidatori prima e dopo averle parcheggiate. In questo senso sono anche simboliche di una condizione contemporanea universale: spazi dedicati sempre più a funzioni specifiche, ma proprio per questo sempre più "inabitabili". Guardare alla città attraverso queste strutture significa per me osservare "dritto negli occhi" quelle vere e proprie sospensioni esistenziali in cui mi sento immerso di continuo. Una sorta di film perennemente interrotto da vuoti nei quali si affaccia la vertigine di una certa insensatezza del vivere. È come camminare sul ciglio del burrone, con un misto di attrazione e repulsione.

2) L'analisi del paesaggio è tema ricorrente nei tuoi progetti. Forse è più corretto parlare di Habitat. Nella serie omonima quali scelte hai preso per esprimere le condizioni che caratterizzano l'atto insediativo del tuo Paese?

Un habitat italiano è una serie che affonda le sue radici nell'opera aperta Scene di Passaggio (Soap Opera). Si tratta di una sequenza cronologica di luoghi attraversati da una soap opera nella quale rivesto il ruolo di protagonista: la mia vita. Tra le regole che mi sono dato per questa performance, c'è l'adesione alla scelta di realizzare un'immagine fotografica di grande formato (4x5") quando incontro casualmente un punto di tensione, un contatto ineludibile, tra il luogo che sto attraversando e il mio sentirlo riecheggiare nella mente. L'idea che mi sorregge è che questo sia un modo concreto di rinunciare a voler dire qualcosa di preciso a tutti i costi, di voluto e consapevole intendo, per poter dare finalmente dello spazio interiore ad una forma di conoscenza nuova, imprevista. Quando circoscrivo questo metodo ad un territorio preciso, come anche nel caso di Olimpia, ecco che posso costruire una mappatura di punti mediani tra quelli che mi paiono essere i caratteri percepibili di quel luogo e il mio ritrovarmi in essi. Un attraversamento, un "passaggio", durante il quale posso estrarre dal tempo e dallo spazio delle tracce ottiche verosimili che costituiscono contemporaneamente una forma di autoritratto. I luoghi vivono per questo come riflessi nei miei occhi, con tutta la parzialità, ma anche l'autenticità del caso. Sono quindi scene, spesso vuote, nelle quali l'ordine provvisorio è dato dal mio transito, ma nel rispetto del loro eventuale disordine costitutivo, che, nel caso del paesaggio urbano italiano contemporaneo, spesso abbonda.

3) Oggi ci ritroviamo spesso a osservare fotografie che ritraggono ambienti "vernacolari". Quanto è importante la percezione e la ricerca di una soggettività nel tuo lavoro. Quanto la fotografia può contribuire a "reinventare" l'esperienza visiva?

Qualche elemento l'ho già anticipato nella risposta precedente. Per proseguire nel ragionamento, ritengo necessario precisare come il fotografico sia per me una forma dell'esperienza che permette di mettere in discussione il proprio modo di relazionarsi con le cose. In questo senso, la restituzione prospettica classica mi serve come ancoraggio ad un sistema culturale, quello umanistico occidentale, che mi dà la misura, il punto d'equilibrio, tra le mie pulsioni più soggettive e una nuda apparenza ottica che sia culturalmente condivisibile e verosimile. Si tratta di una scelta arbitraria, non migliore o peggiore di altre. Tuttavia la sento come imprescindibile. Così come trovo inevitabile fare fotografie che sembrino fotografie, cioè tracce il più possibile "trasparenti" di quanto vado percependo direttamente con gli occhi. Per questi motivi, ogni novità visiva che possa incontrare nel mio fotografare desidero che emerga direttamente sul campo, senza interventi di manipolazione in ripresa o postproduzione. Almeno non oltre la soglia della verosimiglianza, che per me è il confine tra un'immagine fotografica e una tradizionale immagine grafica. Va da sè, che non sono perciò interessato a quello che definirei "pittorialismo di ritorno", cioè la ricerca di uno stile che muova a meravigliare il prossimo attraverso l'adozione non più, come un tempo, di soluzioni che imitino la pittura, ma semmai di stili e "impronte" della fotografia storica. In ultimo due parole sul "vernacolare". Temo che sovente oggi dietro la scelta di soggetti e soluzioni vi sia purtroppo molta accademia. Così come un tempo si potevano fotografare rovine romantiche e chiari di luna illudendosi che contenessero poesia di per se stessi, oggi accade lo stesso con le pompe di benzina, le fabbriche abbandonate e gli angoli urbani residuali. Ritengo che il fotografico sia un'esperienza storica e che soggetti e modi abbiano un tempo dato oltre il quale si consumano. La via d'uscita più interessante ritengo sia quella di portare il fotografico nel proprio quotidiano, senza forzature. Con la serie Appunti per gli occhi sto proprio sperimentando questo.

4) Lavorando su commissione è possibile instaurare comunque una dialettica con il luogo e la sua vera natura. Portaci degli esempi (pensavo ad Orbassano, Grugliasco..)

L'esperienza del fotografare su commissione può condurre ad esiti molto interessanti solo se il committente accetta di considerare il lavoro del fotografo come un atto di conoscenza che nasce dall'osservazione, spinta sino alla contemplazione, non condizionata da altre esigenze utilitaristiche. Ogni qual volta sia possibile muoversi senza obbligo di risultato si apre la possibilità di realizzare immagini davvero nuove, nel senso di inattese, che riportino aspetti non ancora considerati sulla natura dei luoghi. Per consentire al fotografo di arrivare agevolmente a questo "stato di grazia" professionale il committente deve però rinunciare da subito alle sue aspettative. Deve avere il coraggio di accogliere quanto verrà presentato senza chiedere che possa avere immediate ricadute promozionali e celebrative; pena il rischio di ritrovarsi con minime variazioni di stereotipi che nulla possono aggiungere ad una iconografia ormai consumata.

5) Diversi tuoi lavori mettono a fuoco la città come processo di trasformazione, visioni di paesaggi in transizione, l'interferenza della società sui territori. Quanto una visione scenica o contemplativa può creare il distacco necessario alla concentrazione dello sguardo (penso ai lavori notturni di Torino)?

Ritengo che lo spostamento dei tempi, un rallentamento nella maggior parte dei casi, possa condurre il fotografo a porsi nella migliore condizione per cogliere nel flusso percettivo dei solidi punti d'ancoraggio a cui fissare una superiore intensità dello sguardo. In questo senso la notte urbana ha molti vantaggi. I luoghi più intensamente animati di giorno perdono ogni dinamismo e si lasciano percorrere con tutta la necessaria calma. La luce artificiale inventa presenze e forme inosservabili di giorno, rivelando straordinarie potenzialità evocative. Per lunghe ore nulla muta e questo consente di "abitare" gli spazi sino a renderli parte intima del proprio sentire. In ultimo, ma non per ultimo, il vuoto e il silenzio della notte favoriscono l'apparizione della "scena", cioè di una visione scenica, teatrale, dello spazio. Si attua quello che Brecht definiva "straniamento", da non confondersi con altri possibili usi della notte urbana a scopo puramente spettacolare ed emozionale. Gli stessi rallentamenti si possono attuare anche di giorno, ma cercando momenti che li favoriscano. Le festività sono particolarmente indicate per i luoghi di lavoro come, per esempio, i cantieri edili. Le mattine feriali lo sono invece per i parchi e le zone residenziali. In ogni caso, si tratta di uscire dal ritmo imposto dalle cose per ascoltarne uno proprio; fare il vuoto per dare spazio ad una percezione nuova.

11.07.09

2011-08-24T10:13:00.002+02:00

Dalla serie "Appunti per gli occhi".
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11.07.03

2011-08-23T09:57:00.002+02:00

Dalla serie "Appunti per gli occhi".
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11.08.05

2011-08-22T10:39:00.003+02:00

Dalla serie "Appunti per gli occhi".
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11.08.08

2011-08-19T09:18:00.007+02:00

Dalla serie "Appunti per gli occhi".
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11.08.01

2011-08-18T11:00:00.003+02:00

Dalla serie "Appunti per gli occhi".

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11.08.06

2011-08-16T19:13:00.003+02:00

Dalla serie "Appunti per gli occhi".

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11.07.31

2011-08-03T09:44:00.003+02:00

Dalla serie "Appunti per gli occhi".

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Una foto per Agostino

2011-07-28T22:46:00.005+02:00

Un'altra delle magie della rete mi capitò agli inizi dello scorso maggio. Un giovane poeta italiano, Agostino Cornali, mi scrisse chiedendo una mia fotografia per la copertina del suo libro d'esordio. Accennava alla sintonia che coglieva tra il suo dire e il mio osservare. Dopo un breve scambio di email, e la lettura di alcune sue poesie, riscontro a mia volta con piacevole stupore che molto ci accomuna. Accetto. Di recente Agostino mi ha fatto avere copia dedicata di questa sua prima opera e il piacere si rinnova leggendo il titolo della sua raccolta unito alla mia fotografia: un titolo che sarebbe perfetto anche per uno dei miei progetti. Grazie anima affine, lunga vita al tuo dire!

ma poi mi sono perso
per le aree dismesse
delle zone industriali

tra container, piovre,
cisterne vuote

(dalla poesia "Guidando di notte nella bassa padana")

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11.07.07

2011-07-26T20:40:00.016+02:00

Dalla serie "Appunti per gli occhi".

11.06.26

2011-07-23T00:56:00.004+02:00

Dalla serie "Appunti per gli occhi".

Le mappe di Irina

2011-06-23T08:51:00.014+02:00

Irina Novarese - All photos: © Fulvio Bortolozzo

Alla galleria NOPX di via Saluzzo 30 a Torino è in corso una piccola, preziosa, mostra dell'artista Irina Novarese. Ad accogliere i visitatori c'è una rete che invade a mezz'aria lo spazio della prima stanza. Un reticolo, una mappa nel cielo che riecheggia la fantastica mappa della Cina di cui parla il Marco Polo uscito dalla penna di Italo Calvino. Altre meraviglie topografiche si succedono: da restituzioni su carta dell'installazione reticolare a delicati disegni tratti da cristalli di sale che sembrano vie urbane di una metropoli. Montaggi montuosi completano la mostra dando un sapore fotografico al contempo antico e futuribile: ricordano impossibili viaggi di Vittorio Sella su un pianeta sconosciuto. Qui di seguito, i miei consueti appunti per gli occhi che spero invoglino chi può a fare di persona l'esperienza di immergersi nelle fantastiche mappe di Irina.

Ricordami poi di darti le indicazioni per potersi perdere
Opere di Irina Novarese, a cura di Olga Gambari.

Fino all'8 luglio 2011

NOPX Limitededitionpics
Via Saluzzo, 30 - 10125 Torino
Visite: dal martedì al venerdì, 10-13 15-18.
Info: info@nopx.it, cell. 3287055257 (Antonio La Grotta), cell. 3339017334 (Chiara Vittone)

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Centosettantaquattro

2011-06-21T19:14:00.011+02:00

Confini 09: 1 bando, 174 partecipanti, 19 selezionati, 5 premiati, una piccola rivoluzione, una piacevole sorpresa.

Nei primi giorni giugno si è riunita la giuria, della rassegna Confini formata da: Clelia Belgrado, Fulvio Bortolozzo, Leonardo Brogioni, Maurizio Chelucci, Fulvio Merlak, Francesco Tei; tutti curatori degli spazi che ospiteranno la manifestazione nei prossimi mesi.

La qualità dei lavori ha convinto la commissione a premiare non solo 2 autori, come previsto dal bando, ma ben 5, che saranno esposti fra il 2011 e 2012 nella maggiori città italiane:

Franco Borrelli, Anna Fabroni, Alessandro Pagni, Sandro Rafanelli, Bruno Taddei.

Questi i nomi dei fotografi premiati a cui vanno aggiunti gli altri 14 finalisti, tutti visibili all’indirizzo: http://www.photographers.it/bandichiusi.php?id=23.

Poche parole per esprimere la soddisfazione, ma anche le difficoltà, che ha trovato quest’anno la giuria dei curatori di Confini09. Un compito impegnativo perché la qualità è stata decisamente elevata e questo non può che farci piacere per due importanti motivi.

Il primo, il più importante, è la soddisfazione nel rendersi conto che un concorso difficile e legato ad un modo di fare fotografia con caratteristiche diverse da quelle a cui siamo generalmente abituati ha visto tanti progetti di valore. Significa che c’è una maturità diversa, un approccio alla fotografia fatto di progettualità artistica, creatività, felici intuizioni e ricerca di percorsi emozionali.

Il secondo motivo della nostra soddisfazione non è tanto la quantità dei partecipanti, segno comunque di un’attenzione crescente al progetto Confini, ma soprattutto aver constatato che la quasi totalità dei lavori sposavano la mission di questa rassegna di fotografia contemporanea che, da quasi 10 anni, propone e rende merito a tutti quei lavori che si pongono in un ambito che per contenuti spesso non trova specifiche collocazioni. Una crescente attenzione legata anche al buon lavoro del circuito di spazi espositivi e media partner Photographers ed Il Fotografo.

Aspettiamo tutti, da settembre fino a maggio del prossimo anno, nelle città aderenti al circuito per godere insieme, dal vivo, le opere premiate, parlare con protagonisti, discutere e confrontarci.

Torino, a cura di Officine Nadàr
15 – 30 settembre 2011

Firenze, a cura di PhotoGallery
10 – 22 ottobre 2011

Roma, a cura di MassenzioArte
10 -20 novembre 2011

Milano, a cura di Pol!femo Fotografia
16 gennaio – 3 febbraio 2012

Genova, a cura di VisionQuest
23 febbraio – 8 marzo 2012

Trieste, a cura di Sala Fenice
18 aprile - 11 maggio 2012

[ dal comunicato stampa ]

www.confini.eu

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Ascensione riuscita

2011-06-17T00:12:00.015+02:00

Una serata entusiasmante con un afflusso di pubblico costante e numeroso, per nulla frenato dal piccolo nubifragio scatenatosi durante l'inaugurazione. Le opere in mostra hanno suscitato molto interesse tra gli intervenuti e gli artisti presenti sono stati costantemente al centro dell'attenzione, subissati da domande, curiosità e tanti complimenti.

Un'ascensione riuscita quindi, che lascia ben sperare sia per il proseguimento della mostra — fino al 31 luglio con orario martedì/venerdì 16:30-19:30 — sia per la prossima tappa di novembre a Milano.

Per mio conto, desidero ringraziare con tutto il cuore gli amici che sono voluti venire a portarmi la felicità della loro presenza e invito chi comunque desiderasse vedere la mostra in mia compagnia a contattarmi per concordare un appuntamento.

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Stasera si inaugura

2011-06-16T00:55:00.007+02:00

Ultimi preparativi per la mostra "Living in Lift" che stasera aprirà le porte al pubblico. Una ventina di artisti hanno dato la loro interpretazione su cosa possa essere un ascensore. Da luogo di pentimento a momento di elevazione interiore, la varietà delle soluzioni messe in campo è davvero ampia e intrigante. L'appuntamento per tutti è alle ore 19:00 alla Fusion Art Gallery di piazza Peyron 9/G a Torino.

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LIVING IN LIFT

2011-06-11T00:10:00.010+02:00

© Fulvio Bortolozzo

LIVING IN LIFT
a cura di Walter Vallini e Antonello D'Egidio

16 giugno – 29 luglio 2011

Opere di: Arri, Bertrand, Bortolozzo, Faletti, Fannidada,
Ferreri, Francou, Giobbio, Fukushi Ito, Lovatti, Mazzoleni,
Pavan, Pedonesi, Ranno, Ropolo, Spada, Wozcniaki, Zarri, Zizzo.

Inaugurazione, giovedì 16 giugno 2011, alle 19:00

Sede:
Fusion Art Gallery, piazza Peyron 9/G, Torino.

Orari:
Martedì - venerdì ore 16:30 – 19:30

Informazioni:
Walter Vallini (+39) 347 87 50 263

[ ingresso gratuito ]

Dopo la presenza al Fuorisalone di Milano con l'installazione Sveglia Kundalini dell’artista torinese Cinzia Ceccarelli, Schindler Italia – azienda leader nel settore degli ascensori e scale mobili – arriva a Torino, città all’avanguardia per l’arte contemporanea, con la mostra Living in Lift, parte del più ampio progetto Schindler per l’Arte.

Un comitato scientifico composto da esperti d’arte contemporanea e di comunicazione ha selezionato venti artisti, che hanno presentato le proprie opere create ad hoc per l'evento “Living in Lift”. Agli artisti – tra cui Tea Giobbio, Ito Fukushi e i giovani Massimo Spada e Francesca Ferreri che saranno presenti alla prossima Biennale di Arte Contemporanea di Venezia – è stato chiesto di proporre un’interpretazione personale dell’ascensore attraverso fotografie, video-arte e arte oggettuale, con uno sguardo inedito su questi "luoghi non-luoghi", spesso percepiti come spazi anonimi e freddi e che, invece, nascondono sorprendenti potenzialità espressive.

Le opere che costituiscono la mostra stravolgono la consueta immagine dell’ascensore come luogo privo di significato e di vita. Attraverso lo sguardo degli artisti, questo spazio acquisisce una diversa forma e diventa "specchio" dell'anima di chi ci passa qualche momento della propria vita, con le proprie associazioni d’idee, i propri pensieri e sogni…

Living in Lift è una mostra itinerante e un work in progress, che prevede una serie di tappe lungo tutto il territorio nazionale. Dopo il debutto alla Fusion Art Gallery di Torino, l’esposizione arriverà anche a Milano nell’autunno 2011.

[ dal comunicato stampa ]

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Il confine del tempo

2011-06-09T08:00:00.001+02:00

© Fulvio Bortolozzo

Nell'arte della fotografia, come nella meditazione, la forma è il limite con cui viene percepito l'illimitato. Per dirla ancora con Florenskij, "dove non c'è una composizione non ci può essere neanche comprensione, ma la composizione comporta il limite". E aggiunge: " Che cos'è la cosa più importante in un'opera d'arte? La cornice, la ribalta, il confine del tempo, l'inizio e la fine. Se non ci sono limiti, non è possibile neanche la serenità. La capacità di limitare se stessi è il pegno della maestria".

Diego Mormòrio, Meditazione e fotografia.

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È insostenibile

2011-06-08T09:37:00.002+02:00

© Fulvio Bortolozzo

È una smisurata pazienza, la loro, o una disperazione senza fine? Cosa aspettano, o cosa hanno da aspettare? In quale tempo sono immersi? In quello della specie, sottratto alla corsa delle ore che precipitano dalla nascita alla morte dell'individuo? O nel tempo delle ere geologiche che sposta i continenti e rassoda la crosta delle terre emerse? O nel lento raffreddarsi dei raggi del sole? Il pensiero d'un tempo fuori dalla nostra esperienza è insostenibile.

Italo Calvino, Palomar.
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Non poter rimanere

2011-06-07T10:37:00.003+02:00

© Fulvio Bortolozzo

Nonostante le dichiarazioni contrarie, l'uomo occidentale è dominato dall'idea che tutto è destinato a dissolversi nel nulla. E così, con l'angoscia generata da questa idea, vede la fotografia come fosse un medico: come una risposta al desiderio di fermare la corruttibilità dell'essere. (...) La fotografia, come il medico, diventa così il segno di un inarrestabile desiderio di esistere e dell'angoscia di non poter rimanere.

Diego Mormòrio, Meditazione e fotografia.
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Two Ways

2011-06-07T01:25:00.001+02:00

Hedge with House

2011-06-06T14:50:00.004+02:00

Self-portrait Like Dead, but Without Bloodshed

2011-06-03T02:07:00.004+02:00

The Italians (on beach)

2011-06-02T01:06:00.003+02:00

Diogene Project

2011-05-31T10:39:00.006+02:00

Grazie ai miei compagni nel viaggio di ieri sera sul tram di Diogene. È stato davvero un bel momento, ricco di scambi d'idee e suggestioni.

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Miracolo a Milano

2011-05-30T17:57:00.006+02:00

Non ho parole per esprimere la gioia e la speranza.
Posso solo riprendere un grande film di De Sica, con l'auspicio che il volo appena iniziato porti Milano, e l'Italia, verso un futuro migliore per tutti, nessuno escluso.

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Back to the Future

2011-05-29T22:26:00.005+02:00

30 maggio 2011, ore 21, Torino.
Incontro con Fulvio Bortolozzo sul tema:
"L'opera aperta come anti-progetto ovvero un progetto interminabile".
Tram Diogene, rotatoria tra corso Regio Parco e corso Verona.

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Street Light

2011-05-28T09:52:00.008+02:00

Ci fu una festa davanti a un palazzo,
c'eran bambini, nonni e un signore un po' pazzo.
Un lampione dall'alto guardava,
sorrideva ma non partecipava.
Dal cielo azzurro come un mantello
la nube bianca venne a far da cappello.
I bimbi guardarono in alto divertiti
e gridarono in coro tutti uniti:
"Un lampione di zucchero filato!"
S'arrampicarono e fu mangiato.

Guido Castiglia

(scritto per questa fotografia il 28 maggio 2011)

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Ciau Milàn!

2011-05-26T12:35:00.006+02:00

© Fulvio Bortolozzo

La Milano che conosco io è fatta di gente che per guadagnarsi da vivere pensa che si debba lavorare. Per diventare milanese devi lavorare. Ma non basta, devi produrre qualcosa che sia utile, che costi il giusto e che possa quindi essere un buon affare per chi lo compera, non importa se è un umile servizio alla persona, un'offerta di lavoro dipendente o una grande idea imprenditoriale. E non importa nemmeno se parli con accento pugliese, veneto o di altre lingue o quale dio preghi quando ne senti il bisogno. La cittadinanza si ottiene così nella Milano che conosco io. Sembra arido, ma invece è civile.

Giuliano Pisapia viene da quella Milano lì, dove le persone si valutano per come lavorano, perché vivere e lavorare sono la stessa cosa, e non per quale origine, religione o accento hanno. Spero vivamente di tornare presto in quella Milano del mio cuore, perché mi manca tanto.

Ciau Milàn!

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Un progetto interminabile

2011-05-25T14:42:00.014+02:00

L'OPERA APERTA COME ANTI-PROGETTO
OVVERO UN PROGETTO INTERMINABILE

Incontro con Fulvio Bortolozzo sul tram Diogene,
rotatoria tra corso Regio Parco e corso Verona, Torino.

Lunedì 30 maggio 2011 ore 21.00

Nel 2003, l'autore dà l'avvio ad una serie fotografica composta come pura sequenza cronologica di luoghi attraversati da una Soap Opera nella quale riveste il ruolo di protagonista: la sua vita. Tra le regole per questa performance, c'è l'adesione alla scelta di realizzare un'immagine fotografica quando si incontra casualmente un punto di tensione, un contatto ineludibile, tra il luogo che viene attraversato e il sentirlo riecheggiare nella mente. L'idea che sorregge l'opera è che questo sia un modo concreto di rinunciare a voler dire qualcosa di preciso a tutti i costi, di voluto e consapevole, per poter dare finalmente dello spazio interiore ad una forma di conoscenza nuova, imprevista.

Il concetto liberato dal suo peso espositivo tenta così di raggiungere il punto focale della rappresentazione in bilico tra memoria e invenzione, tra spunto impressionistico e ferma restituzione geografica. Può il soggetto perdere la propria importanza per riacquistare valore in un'ottica eterna? Il valore destinato al rappresentato deriva da una comunicazione imprigionata o dal suo semplice riflesso intellettuale?

Collecting People nasce come occasione per condividere, nello spazio del tram, una raccolta di riflessioni, pensieri ed intuizioni, di artisti, critici e teorici e della scena culturale contemporanea.

Questo ciclo di incontri informali è concepito come strumento di conoscenza e di approfondimento e si sviluppa attraverso un movimento spontaneo di scambio reciproco di esperienze.

La selezione degli ospiti invitati segue criteri dettati dalla curiosità di approfondire alcuni aspetti legati, in modo più o meno evidente, alla ricerca artistica contemporanea, con l’intento di dare vita ad un dibattito culturale transdisciplinare e far nascere proficue collaborazioni.

Progetto Diogene è realizzato grazie al contributo della Compagnia di San Paolo, della Regione Piemonte e di Arte Giovane, con il Patrocinio della Città di Torino, del GAI - Associazione Circuito Giovani Artisti Italiani e la collaborazione di: GTT Gruppo Torinese Trasporti, Heliant, Neube Architettura, e/static, Fondazione Spinola Banna per l'Arte.

Cliccare qui per scaricare il PDF integrale del comunicato stampa

www.progettodiogene.eu
Ufficio stampa
Paola Varallo
paolavarallo@yahoo.it
tel. +39.347.0883394

Di Malick in peggio

2011-05-24T08:15:00.011+02:00

© Fulvio Bortolozzo

Ieri sera ho visto The Tree of Life di Terrence Malick. La mia unica esperienza precedente con questo autore fu il film La sottile linea rossa (1998). Più di allora, mi sono ritrovato decisamente spiazzato dalla deriva visionaria di Malick, ormai senza più alcun argine narrativo in grado di contenerla. Non sto a ripetere la trama del film, peraltro piuttosto intricata, ma mi limiterò a sottolineare alcuni punti che ritengo decisivi nel farmi considerare non riuscita quest'ultima, pur visivamente seducente, Palma d'Oro di Cannes. A mio avviso difatti, se paragonato agli unici esempi storici che mi paiono possibili — ossia 2001,Odissea nello spazio di Stanley Kubrick (1968) e Koyaanisqatsi di Godfrey Reggio (1982) — Malick non raggiunge l'indispensabile sintesi estetica tra intenzione e realizzazione, come invece fecero gli autori di quei due capolavori assoluti della cinematografia mondiale di tutti i tempi.

Temo che una sua certa ossessione religiosa di matrice protestante (la grazia posta in antitesi alla natura come scelta puramente spirituale), unita alla necessità di descrivere la claustrofobica vita della middle class americana degli anni '50, tutta chiesa e lavoro, abbia impedito a Malick di prendere le distanze dalla sua creatura per osservarla con un salutare distacco laico e critico. Se così avesse fatto ci avrebbe anche risparmiato una pseudogenesi del mondo ridicolmente disneyana — mi riferisco al pezzo stravinskiano dell'ambizioso, e anch'esso non risolto, Fantasia di Walt Disney (1940) —, con tanto di dinosauri che sembrano usciti di peso dallo spielberghiano Jurassic Park (1993). Senza dimenticare poi le penose fiammelline che aprono e chiudono il film con richiami tra il biblico e l'iconoclasta.

Va in ogni caso riconosciuto che emergono qui e là nello svolgersi dei 138 minuti di proiezione anche prove di grande cinema. Mi riferisco per esempio alla capacità davvero rara di mettere in scena la crisi adolescenziale del fratellino maggiore (Hunter McCracken), il personaggio più convincente del film. Una descrizione a tutto tondo che supera di gran lunga le parti affidate ai pur bravi attori nel ruolo dei genitori: un sempre godibile Brad Pitt, irrigidito purtroppo dalla sceneggiatura nell'ennesima caricatura dell'ottuso e frustrato cittadino medio americano, e una piacevole Jessica Chastain chiamata a rappresentare una "grazia" continuamente offesa dalla cieca "natura" del marito, ma relegata in troppe scene mute attraversate da un fastidioso onirismo in stile Mulino Bianco. A Sean Penn, viene invece affidata la parte del fratello maggiore ormai adulto, che viene assolta con tanti sguardi pensosi e molto vagare in luoghi urbani di vetro e acciaio, su e giù per ascensori panoramici, oltre che con camminate in mezzo a deserti rocciosi e spiagge affollate di "anime in pena" a passeggio. Un poco richiamando qui un certo stile inconsistente alla Lelouch, per intenderci.

In conclusione, chi decidesse di arrischiarsi a vedere il film, potrà, a mio parere, uscirne con maggiori o minori soddisfazioni, ma dubito fortemente che avrà il desiderio di rivederlo o di inserirlo tra i migliori film che abbia mai visto.

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L'attesa dell'inatteso

2011-05-23T09:19:00.007+02:00

© Fulvio Bortolozzo.

Una vita arrangiata in tal modo — che fa pensare a quel giardiniere giapponese che ogni mattina dispone diversamente le pietre e la sabbia del suo giardino — potrebbe allora produrre, con un "nonnulla", l'inatteso quasi impercettibile che annuncia una nuova giornata.

Così, attraverso una riduzione del tempo – non conservando che l'effimero — attraverso una riduzione dello spazio — non accordando importanza che ai frammenti — ci avvicineremmo a poco a poco all'essenziale, restando completamente nell'ordine materiale. Costruire sulla sabbia non è forse coltivare l'attesa dell'inatteso?

Algirdas Julien Greimas, Dell'imperfezione.

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I Miss You

2011-05-20T23:00:00.003+02:00

La voce di Franco

2011-05-20T00:35:00.016+02:00

In via Peyron a Torino c'è una galleria piccola piccola nella quale ho visto alcune recenti grandi opere di Franco Borrelli. All'origine di questo suo lavoro ci sono fotografie riprese in varie parti del mondo, ma trasformate in una visione del tutto interiore dalla intensa postproduzione a cui le sottopone l'artista. L'effetto d'insieme si distacca però dalla perversa moda attuale che impone lo stravolgimento a colpi di Photoshop delle tracce ottiche, allo scopo di rendere "interessanti" immagini altrimenti di una banalità sconcertante. La sintesi trovata da Borrelli è infatti davvero convincente. Sono luoghi della mente, senza alcuna pretesa che debbano esistere, anche se niente di ciò che si vede è inventato di sana pianta. L'ambiguità tra verosimile e inverosimile è condotta in punta di elaborazione nella terra di nessuno della narrazione bastante a se stessa. Nulla da dimostrare, nulla da comunicare, solo la fisica, e al contempo inattesa, presenza di un altro modo di pensare e immaginare. Di seguito, qualche appunto, quasi un promemoria per ricordarsi di tornare prima del 18 giugno ad ascoltare cos'altro ha da dirmi la voce di Franco.

FROM INSIDE
Fotografie di Franco Borrelli

19 maggio – 18 giugno 2011

ABF | Scatola Chiara
Piccola galleria per la Fotografia Storica e Contemporanea
Via Amedeo Peyron, 17/E - 10143 Torino
tel. +39 011.1950.7558 cell. +39 333.371.6753 - info@abf-ph.com
visite: dal martedì al sabato 16-19 - (chiuso il 2 giugno) - in altri giorni su prenotazione

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Metro Sky

2011-05-19T08:56:00.002+02:00

10.12.13 Torino (Italia)

2011-05-19T00:11:00.002+02:00

Urban Walking

2011-05-18T01:58:00.002+02:00

Urban Vegetation

2011-05-17T09:51:00.002+02:00

The sun go back to Milano

2011-05-17T00:12:00.003+02:00

È nata Mia

2011-05-16T11:14:00.021+02:00

Alta, bionda, slanciata, occhi azzurri, esperta di marketing dell'arte, milanese al 100%. Questa è Mia Fair, la seducente creatura nata dall'ingegno di Fabio Castelli. Certamente una innovativa fiera dedicata alla fotografia artistica contemporanea con dei difetti, che andranno analizzati con tutta calma, ma questo è il momento di brindare al felice evento. La scommessa non era facile e la risposta è stata oltre le aspettative. Molti visitatori, e anche tanti acquisti, hanno dimostrato come un mercato per l'oggetto d'arte fotografico non ristretto ai pochi noti sia davvero possibile. La formula di Castelli prevede che per creare e mantenere la fiducia in un mercato come questo servano tre cose fondamentali: qualità materiale delle opere, trasparenza dei prezzi e garanzia sulle tirature. In questo senso, ho potuto constatare il dominio delle stampe Giclée certificate e della cartiera tedesca Hahnemühle. Prevalgono anche i formati grandi, con evidenti ricadute positive su stampatori e montaggisti che emergono, a mio parere, come i veri trionfatori della fiera. Difatti al di là dell'artisticità o meno di quanto esposto, anche molto discutibile in certi casi, chi ha già fatto dei bei fatturati sono proprio loro: i fornitori della preziosità oggettuale su cui poi sperano di basare i loro affari sia le gallerie sia gli artisti.

Dalla mia immersione di ieri pomeriggio nel mare magno dei 230 stand, ho riportato, come al solito, qualche appunto che si può vedere QUI.

Urban Totem

2011-05-15T09:52:00.003+02:00

Un successo meritato

2011-05-13T21:19:00.008+02:00

L'ultima inagurazione della terza stagione espositiva a ZonaCottini è stata davvero una chiusura in bellezza. I lavori di Virginia Chiodi Latini e Marco Illuminato si sono integrati splendidamente in un allestimento che ne ha esaltato le specificità, ma anche i molti punti di riflessione nascenti dal loro felice accostamento. Il pubblico presente ha confermato la bontà delle scelte curatoriali con ripetuti apprezzamenti e una viva curiosità che ha ripetutamente coinvolto gli artisti con domande e richieste di approfondimento su concetti e tecniche dei loro lavori. Nel ringraziare gli intervenuti, e invitando gli interessati a visitare la mostra entro il prossimo 28 maggio, non resta che dare appuntamento a tutti alla prossima stagione 2011/2012 per la quarta edizione di ZonaCottini.

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Immagini da ZonaCottini

2011-05-12T19:30:00.000+02:00

Domani, venerdì 13 maggio 2011, alle ore 18:30 apre allo spazio ZonaCottini l'ultima doppia personale di questa stagione espositiva. Virginia Chiodi Latini e Marco Illuminato presentano al pubblico due lavori sul fotografico che trovano nelle diverse tecniche e concezioni un inedito dialogo di estremo interesse.
Di seguito, qualche mio scatto di backstage. Maggiori info sulla mostra sono QUI.

Blue Night

2011-05-11T09:12:00.003+02:00

Urban Vegetation

2011-05-10T11:39:00.003+02:00

L'ultima della stagione

2011-05-09T07:30:00.005+02:00

MIMESIS
A CURA DI GIANPAOLO AGHEMO E FULVIO BORTOLOZZO

VIRGINIA CHIODI LATINI
MARCO ILLUMINATO
13– 28 maggio 2011

Spazio espositivo ZONA COTTINI
Via Castelgomberto 20, Torino

Inaugurazione venerdì 13 maggio 2011, ore 18:30

Con MIMESIS si chiude la stagione espositiva di ZonaCottini. Il programma di mostre basate sulla formula delle doppie personali che ha visto un artista visivo ed un fotografo/a ha raccolto un buon successo di pubblico. In questa mostra presentiamo Marco Illuminato e Virginia Chiodi Latini, entrambi già allievi del Liceo Cottini. Marco Illuminato ci propone le sue tele di grandi dimensioni con ibridazioni di tecniche operative che rendono ambigua la lettura dell’immagine. Virginia Chiodi Latini nelle sue fotografie ci offre invece scenari fantastici che danno vita a turbamenti reali.

Orari:
Lunedì - venerdì ore 9:00 – 21:00
Sabato ore 9:00 – 13:00

Ingresso Gratuito

Informazioni:
Ass. Galleria Renato Cottini
tel. 328.812.3500
galleriacottini@libero.it
www.galleriacottini.weebly.com

Stampa materiali AGIT Subalpina

Virginia Chiodi Latini

SOGNI AL FEMMINILE. Virginia sogna. Nel suo mondo fantastico prendono forma luoghi immaginari dove una donna può allestire il suo teatro mentale. Figure riprese dalla storia, a volte, ma nella reinvenzione di una mente d'oggi. Pose, atteggiamenti studiati, finzioni quindi, ma con al loro interno l'autenticità del desiderio. Sono ambientazioni sopra le righe, volutamente eccentriche. L'insieme dei gesti, e il succedersi delle azioni, sono tracce di performance più che rappresentazioni di concetti. Come nella, consolidata ormai, tradizione internazionale della Staged Photography tutto è falsificato per ottenere però emozioni e turbamenti reali. Un'interazione tra artista e pubblico che pone l'opera fuori dalla sua oggettualità, in una terra di mezzo mentale alla quale chiunque lo voglia può appartenere. Basta cedere alla tentazione di volteggiare o anche solo di chiudere gli occhi per un istante. Il respiro delle figure di Virginia non mancherà di risuonare in noi.

Fulvio Bortolozzo

Virginia Chiodi Latini nasce a Torino nel 1985. Già nel 1990 inizia a giocare con una fotocamera Polaroid facendo mettere in pose assurde genitori e parenti. Questo approccio divertito e curioso con l'atto fotografico non si interromperà più. Il suo amore per l'immagine ottica si consolida durante gli anni di studio al Liceo Artistico Renato Cottini per affermarsi completamente al corso triennale di fotografia dell'Istituto Europeo di Design. In un suo testo inedito l'artista scrive: “La fotografia vive e si muove in me.(...) È ormai incorporata nei miei occhi. Nel mio sguardo. Ci siamo addomesticati a vicenda. Non possiamo fare a meno l’una dell’altra, e la sera ci laviamo i denti insieme. Non so dove andrò a finire, ma è lei la mia energia: mi fa muovere in avanti.”. Questa è la prima esposizione personale di Virginia, di una serie che ci si augura sia lunga e fertile, ed ha per lei un grande significato personale perché avviene proprio nel luogo che l'ha vista crescere appassionandosi all'arte visiva.

Marco Illuminato

Marco Illuminato con i suoi lavori ci offre una realtà scomposta in fotogrammi sempre sul punto di rivelarsi come sequenza di immagini oniriche. Come i sogni non possono avere una lettura univoca e certa. Come i sogni hanno colori lividi / vividi e a volte incerti. Le immagini di Marco Illuminato, come i sogni, hanno un marchio, la sigla della registrazione digitale di una immagine. Se si dovesse trovare un riferimento al suo lavoro verrebbe da pensare al film di Wim Wenders Fino alla fine del mondo e all’ossessionato tentativo di registrare e poi rivedere i propri sogni. L'immagine rimanda ad atti rituali, perversi nella loro ripetitività e così lo spettatore guardando i suoi lavori non potrà mai ritrovarsi al posto dell’artista ma resterà sempre osservatore che guarda la realtà scomposta attraverso un filtro, come attraverso un vetro, o sul display di una macchina fotografica digitale o, ancora, attraverso uno schermo televisivo.

Gianpaolo Aghemo

Marco Illuminato nasce a Torino nel 1987. Dopo il diploma in pittura e decorazione pittorica al Liceo Artistico Renato Cottini si iscrive al corso di Decorazione Pittorica presso l'Accademia Albertina di Belle Arti di Torino. Per i suoi lavori usa una tecnica mista su tela ed elaborazioni fotografiche digitali.

Notte verde a Torino

2011-05-08T11:18:00.002+02:00

Mai tutto d'un colpo

2011-05-07T06:38:00.024+02:00

Giovedì scorso, negli appassionati locali del Circolo dei Lettori di Torino, l'amico Edoardo Hahn ha inaugurato una sua piccola personale intitolata La stanza dello scrittore, dedicata ai luoghi di lavoro di undici nomi della letteratura. Un progetto condotto con tutta la raffinata sensibilità di cui è grandemente capace e che spero vivamente venga proseguito con altri autori e in altri luoghi. Di seguito, qualche mio appunto dall'evento, con l'invito ad andare a vedere la mostra entro il 15 maggio prossimo.

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[in]fusioni d'arte e fotografia

2011-05-05T07:27:00.007+02:00

Procede l'avvio delle mie nuove attività di formazione fotografica alla Fusion Art Gallery di Torino.

Il prossimo maggio partirà il corso avanzato di fotografia, fortemente orientato alla progettualità artistica. Seguiranno presto un primo appuntamento di lettura portfolio e alcuni workshop di fine primavera.

Con la nuova stagione 2011/2012 torneranno i corsi base e intermedio, oltre alle prime mostre collettive degli allievi.

Anche l'ormai consueto appuntamento annuale con la rassegna italiana di fotografia contemporanea CONFINI, da me curato per la tappa torinese nell'ambito del progetto Officine Nadàr, verrà ospitato negli spaziosi ed accoglienti locali della Fusion Art Gallery.

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Un certo disprezzo

2011-05-04T00:52:00.011+02:00

© Fulvio Bortolozzo.

Per fare qualcosa di nuovo, si deve conoscere la tecnica, ma bisogna anche confidare nel caso, che può essere la manifestazione di leggi o di forze ignote.
La tecnica è subito evidente, il nuovo spesso è invisibile.
Avere delle idee precise, va bene; non averne, va ugualmente bene. Se non avete idee, non accontentatevi di una buona tecnica; un certo disprezzo per la vostra abilità può proiettarvi verso il nuovo.

Man Ray, Sulla Fotografia.

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Futurescape

2011-05-02T14:24:00.002+02:00

Futurescape

2011-04-30T20:13:00.004+02:00

Heaven's Gate

2011-04-28T09:31:00.004+02:00

Heaven's Gate

2011-04-27T14:08:00.002+02:00

Old Industrial Forest

2011-04-26T11:06:00.002+02:00

Buona Pasqua

2011-04-23T00:07:00.002+02:00

Urban Garden

2011-04-22T10:12:00.002+02:00

Futurescape

2011-04-21T11:19:00.002+02:00

Un'attenzione importante

2011-04-20T11:21:00.004+02:00

Oggi ho avuto il piacere di veder pubblicata un'intervista di Steve Bisson, l'artefice dell'autorevole webzine internazionale Urbanautica, dedicata al mio lavoro. Il testo è in inglese e si trova QUI.
Prossimamente pubblicherò nella sezione testi del mio sito la versione italiana. Colgo l'occasione per ringraziare Steve della sua attenzione, che mi onora perché apprezzo la sensibilità e la competenza con cui guarda alla fotografia contemporanea.

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Una domenica a Rivara

2011-04-18T00:58:00.006+02:00

Franz Paludetto ha inaugurato domenica scorsa la stagione espositiva 2011 del Castello di Rivara allestendo nella splendida cornice del luogo un vero e proprio incontro dialettico tra due collettive: una storica e l'altra contemporanea.

Conosciuti/Sconosciuti
Giorgio Ciam, Bruno Locci, Plinio Martelli, Roberto Gandus.
Quattro artisti italiani che negli anni Settanta hanno impiegato il mezzo fotografico per parte significativa della loro produzione.

Barocco
Daniela Perego, Pia Stadbäumer, Elke Warth, Ilaria Ferretti.
Quattro pensieri femminili uniti da un'insistenza al contempo delicata e intensa sulla componente affabulatrice del fare arte.

17 aprile – 31 luglio 2011
Castello di Rivara – Centro d’Arte Contemporanea
Piazza Sillano 2 - 10080 Rivara (To)
tel. / fax +39 0124 31122 - info@castellodirivara.it - www.castellodirivara.it
visite: ven 14-18, sab. e dom. 10-13/14-18 - in altri giorni su prenotazione.

Castello di Rivara, 17 aprile 2011.
Dalla serie Appunti per gli occhi, © Fulvio Bortolozzo.

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Scene al Circolo

2011-04-17T00:16:00.001+02:00

Venerdì 15 aprile scorso, dopo le nove di sera, ho presentato nella sede della sezione fotografica del Circolo Ricreativo Dipendenti Comunali di Torino la serie Scene di passaggio (Soap Opera), in corso dal 2003, e tre serie tematiche estratte nel tempo da questa vera e propria radice madre: Olimpia (2004-2006), Spina Centrale (2007), Un habitat italiano (2008-2010). Il numeroso pubblico di soci e appassionati presenti ha partecipato con grande calore all'incontro, rivolgendo all'autore molte domande. L'auspicio è di poter ripetere quanto prima esperienze di confronto positive come questa.

Fotografie: © Mariella Guerra.

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Inaugurazione Bottisio-Halip a ZonaCottini

2011-04-16T11:25:00.001+02:00

Ieri sera si è aperta la terza mostra della rassegna ZonaCottini di Torino. Anche questa volta la formula della doppia personale ha suscitato l'interesse del pubblico. I dìttici fotografici di Giovanni Bottisio, dedicati al concetto di luogo, e l'installazione di sculture bianche e polimorfe di Maria Halip hanno creato tra loro un dialogo quanto mai intrigante. La mostra rimarrà visitabile fino a fine mese negli orari consueti.

Immagini da una Biennale

2011-04-15T00:27:00.040+02:00

Tre appuntamenti in due giorni

2011-04-12T09:39:00.002+02:00

Giovedì 14 aprile 2011, Cittadella di Alessandria.
Inaugura alle ore 16:00 la Biennale di Videofotografia Contemporanea.
Sarò presente in mostra con 8 opere stampate in grande formato, nella sezione curata da Fabrizio Boggiano.

Venerdì, 15 aprile 2011, Spazio ZonaCottini a Torino.
Inaugura alle ore 18:30 la mostra Dettagli di un dialogo .
Vengono esposte opere fotografiche di Giovanni Bottisio e sculture di Maria Halip.

Venerdì, 15 aprile 2011, Circolo Ricreativo Dipendenti Comunali di Torino, corso Sicilia 12. Videopresentazione alle ore 21 della serie Scene di passaggio (Soap Opera).
Un'occasione per incontrare, o ritrovare, l'opera aperta che porto avanti dal 2003 e dalla quale nascono altri suoi progetti site-specific come Olimpia o Un habitat italiano.

Conquistare un campo

2011-04-09T22:44:00.005+02:00

Dalla serie Appunti per gli occhi.

Con le ultime generazioni i nostri occhi e i nostri cervelli sono diventati otticamente, e non più solo plasticamente, "consapevoli". (...) A completare un simile risultato, una minima ricerca e una certa determinazione potrebbero dimostrare che tutto quanto è possibile in campo plastico lo è ugualmente in campo ottico. L'allenato occhio umano potrebbe, guidandone uno di vetro, conquistare un campo tanto vasto quanto quello controllato da una mano più o meno allenata che venga guidata da un occhio semichiuso.

Man Ray, Sulla fotografia.

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Save The Turet

2011-04-07T14:22:00.004+02:00

Fulvio Bortolozzo, "68", 2011. Stampa su tela vinilica 150x140cm.

Grande serata inagurale alla Fusion Art Gallery di piazza Peyron 9/G a Torino.
La mostra d'arte contemporanea Vogliono uccidere i Turet!, che apre il nuovo ciclo d'attività espositiva voluto da Walter Vallini, in collaborazione con Caterina Schiavon e lo staff della galleria, ha visto una bella partecipazione di pubblico. Molte le domande agli artisti presenti e generale l'apprezzamento per la qualità e varietà delle opere esposte: dipinti, fotografie, video e installazioni. Tra i presenti anche il candidato sindaco Michele Coppola e la candidata al consiglio comunale Paola Ambrogio.

Gli artisti in mostra sono:
Francesco Arri, Ennio Bertrand, Fulvio Bortolozzo, Francesco Capello, Cinzia Ceccarelli, Lilita Conrieri, Francesca Ferreri, Tea Giobbio, Francesca Renolfi, Gianluca Rosso, Massimo Spada, Luisa Valentini, Max Zarri.

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Aperte confidenze

2011-04-07T00:14:00.005+02:00

Dalla serie Scene di passaggio (Soap Opera)

Al pari dello scienziato, che è solo un prestigiatore che manipola i molteplici fenomeni della natura e trae profitto da qualsiasi cosiddetto caso o legge, il creatore che opera con i valori umani consente alle forze dell'incoscio di filtrare attraverso se stesso tinte della propria selettività, che è il desiderio umano universale, e porta alla luce motivi e istinti a lungo repressi, che dovrebbero formare la base di una confidente fraternità. L'intensità di questo messaggio può essere turbata solo in misura proporzionale alla libertà che è stata concessa all'automatismo o all'inconscio stesso. La rimozione di modi di presentarsi inculcati, da cui nasce un'artificiosità o una stranezza apparente, è una conferma del libero funzionamento di questo automatismo, e deve considerarsi benefica.
Ogni giorno si fanno aperte confidenze, e all'occhio non resta che imparare a registrarle senza restrizioni o pregiudizi.

Man Ray, Sulla fotografia.

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La fotografia è un'arte

2011-04-05T01:08:00.006+02:00

Dalla serie Scene di passaggio (Soap Opera)

La nascita della pittura risale a migliaia d'anni fa, la fotografia ha solo cent'anni circa di vita.
Non c'è contraddizione tra fotografia e pittura. Ma la fotografia costituisce un grande fenomeno sociale grazie alla facilità della sua riproduzione e diffusione. Al contrario della pittura, essa è fatta per il consumo immediato. Forse è proprio questo suo valore comunitario a interessarmi. Dipingo per mia soddisfazione e fotografo per mantenere il contatto con gli altri. La pittura è arte, la fotografia è un'arte.

Man Ray, Sulla fotografia.

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